Fotograma Digital

2012-01-27T14:05:00.000-08:00

Os Descendentes

(The Descendents, 2011)

Drama/Comédia - 115 min.

Direção: Alexander Payne

Roteiro: Alexander Payne, Nat Faxon e Jim Rash

Com: George Clooney, Shailene Woodley, Amara Miller, Nick Krause, Matthew Lillard, Judy Greer, Beau Bridges, Robert Forster e Patricia Hastie

É muito difícil não gostar do novo filme de Alexander Payne. Além de contar com uma história dolorida e que é próxima dos espectadores de todos os lugares, credos e idades, o faz de maneira a fugir o máximo que pode do melodrama, apostando em misturar uma situação complicada (e que com o decorrer da trama torna-se também complexa) e obviamente dramática com momentos em que o humor predomina e alivia a tensão do filme, fazendo-o divertido e leve, apesar do tema.

Essa é uma característica de seu diretor (e um dos roteiristas) Alexander Payne, dos ótimos Sideways, Confissões de Schmidt e Eleição. Em sua filmografia, Payne sempre se especializou na chamada dramédia, em que a partir de um drama ou de uma situação mais complicada, recheia seu filme de pequenos momentos cômicos que fazem a mensagem de seu filme ser melhor absorvida pelo público, que não é "obrigado" a receber seguidas pancadas em temas mais duros (como é o caso desse Descendentes).

O filme fala de Matt King (George Clooney) que é um pai relapso e que nunca foi verdadeiramente presente na vida de suas filhas, a pequena e engraçada Scottie (Amara Miller) e a adolescente Alexandra (Shailene Woodley) até que um acidente muda a vida de sua família. Sua mulher Elizabeth (Patricia Hastie) acaba ferindo a cabeça em um passeio de barco e entra em coma. Com isso, Matt que nunca foi um marido ou pai ideal precisa encontrar forças para lidar com a situação ao mesmo tempo em que tenta uma aproximação das filhas. Para complicar sua condição, durante sua vigília (e isso não é um spoiler pois até o trailer do filme entrega isso) descobre que sua mulher tinha um amante, e junto, com suas filhas parte para encontrá-lo.

Clooney é a alma e o coração do filme. Caracterizado aqui como um homem de meia idade nada elegante ou preocupado com sua imagem de galã (a corrida com o "freio de mão puxado" até a casa de um casal de amigos é um exemplo disso), o ator tem mais uma oportunidade para demonstrar que é maior do que a aura de astro de Hollywood, que insistem em impingir ao ator. Sóbrio e até um pouco apalermado, Clooney consegue fugir das "caretas" características e apresentar um trabalho que ao mesmo tempo em que é contido, é emotivo sem ser piegas ou melodramático.

Outro pilar do filme é a surpreendente Shailene, que interpreta a filha mais velha do Clooney. Alexandra vive em outro ponto do arquipélago do Havaí, internada numa espécie de colégio interno. Como uma típica adolescente rebelde, é cheia de provocações e atos de alto-afirmação. Porém, quando o pai lhe explica a real situação da mãe, a personagem muda e a partir de uma excelente cena na piscina (em que o diretor inteligentemente coloca a personagem mergulhando e começando uma crise de choro embaixo d'água) torna-se tão importante para a trama quanto o personagem de Clooney, já que é a partir dela que a trama toma outra proporção quando ela revela (e isso não é um spoiler já que está mesmo no trailer do filme) que sua mãe tinha um amante e pretendia se separar do pai.

Esse novo fato faz o filme crescer tanto como drama humano, já que agora Clooney precisa administrar a inevitável morte da esposa ao mesmo tempo em que descobre que ela não o amava, como ganha um norte, já que a partir desse fato Matt parte em busca do tal amante, e aproveita a situação inusitada para se aproximar mais das filhas e do namoradinho da mais velha, o hilário Sid (Nick Krause).

Os diálogos criados pelo excepcional roteiro de Payne, Faxon e Rash dão riqueza ao filme, que não abre mão de emocionar o público sem precisar apelar para o óbvio, encaixando observações sobre o cotidiano aqui e ali. Em especial, a pena afiada do trio é dirigida para as dificuldades de relacionamento entre uma geração mais "castrada" e a nova e desbocada geração Z.

Porém, nem só de piadinhas vive o ótimo texto de Descendentes. Ao longo da história, marcada por uma tragédia, a sensibilidade e a destreza são à base do filme. Sensibilidade que nunca resvala no clichê melodramático dos filmes ditos dramáticos, e destreza para concatenar a mistura entre humor e lágrimas.

Os cenários belíssimos do Havaí também ajudam (e muito) a aumentar a sensação de estupefato e de grandiosidade. Já que em outra ponta da história, Payne coloca seu protagonista em uma iminente venda de um antigo terreno da família, que em conjunto com seus muitos (mesmo) primos, deverá ser vendido antes que a família perca a chance de ganhar dinheiro com ele. Daí é que Payne tira seu título, a mistura entre o seu encontro emocional com sua descendência direta (filhas) e da sensação de culpa que ele tem ao precisar pensar em se desfazer de uma herança conquistada por seus antepassados. Seriam os descendentes capazes de julgar as intenções de seus antepassados? Seria justo das a eles o poder de decidir sobre as vigas fincadas pelos mais velhos? Ou como faz o personagem de Clooney, pensar de verdade no que seus atos podem fazer a seus próprios descendentes? Em suma, ser humilde quanto a sua finitude e perceber que um ato feito hoje, tem repercussão no futuro de quem amamos.

Parece ser essa a mensagem de Payne, que mesmo tendo em mãos um tema que lhe renderia diversas discussões e símbolos bélicos, prefere apostar na civilidade, na compreensão mútua e no respeito à situação. E principalmente, no global, na percepção que os seres humanos são falíveis e apontar os dedos enfurecidos nunca resolveu os problemas de ninguém.

2012-01-26T14:51:00.000-08:00

Millenium - Os Homens que Não Amavam as Mulheres

(The Girl with the Dragon Tattoo, 2011)
Suspense/Drama - 158 min.

Direção: David Fincher
Roteiro: Steven Zaillian

Com: Daniel Craig, Rooney Mara, Christopher Plummer, Stellan Skarsgard, Robin Wright, Joely Richardson e Yorick van Wageningen

Fazer de um remake uma obra pessoal e com assinatura é um caso raro. Na história do cinema, pouquíssimos filmes conseguiram a proeza de serem tão, ou até mesmo melhores do que a obra original que inspiraram. São os casos de Onze Homens e um Segredo, Scarface (que empata com o original de Howard Hawks em 32), Ben-Hur, Nosferatu (a versão de 1979), O Enigma de Outro Mundo, A Mosca, Fogo contra Fogo (que é a versão para o cinema de um filme para tv), Falcão Maltês (a versão de 1941 dirigida por John Huston é um remake de outro filme de mesmo título lançado em 31), O Homem que Sabia Demais (caso raríssimo de um remake produzido pelo mesmo autor do original, no caso, ninguém menos que Alfred Hitchcock), Os Dez Mandamentos (cuja primeira versão é de 1923) entre alguns outros que conseguiram a proeza de alcançarem um patamar de excelência que os permite caminhar com as próprias pernas sem comparações constantes com a obra original.

David Fincher pode colocar seu filme nessa lista. Seu Millenium - Os Homens que Não Amavam as Mulheres é uma obra que reverencia o texto original, tem respeito ao filme sueco e mesmo assim é uma obra profundamente pessoal, com os dedos de Fincher por todo o filme.

Desde a sua preocupação conhecida com a fotografia e o design de produção, que deixam seus filmes (a exceção de Benjamin Button que era um drama histórico e muito mais leve do que sua produção "normal") com um ar de mundo decadente, sujo e apocalíptico (e que aqui é perfeito para a história a ser contada), passando pela trilha sonora que (novamente excetuando-se Button, que é o pior filme do diretor) opta pelo atonalismo, pela robustez de temas e pelo generoso uso de recursos modernos, seguindo pela criatividade dos planos e principalmente para as soluções visuais encontradas para impressionar o espectador (como a já clássica sequencia de abertura do filme, que mistura video-arte com conceitos a serem vistos no filme e a famosa versão para Immigrant Song de autoria de Trent Reznor) e a habilidade do diretor em encaixar atores em situações até então desconhecidas para eles (exemplos não faltam: Forest Whitaker em Quarto do Pânico, Brad Pitt e Helena Botam Carter em Clube da Luta, Jesse Eisenberg em Rede Social, Morgan Freeman em Seven e aqui Daniel Craig e Rooney Mara) obtendo resultados quase sempre excelentes.

Porém, Fincher parece mais maduro aqui. Quem teve a chance de ver o filme original sueco (leia nossa crítica aqui) sabe que um dos momentos mais importantes da trama é mostrado com extrema violência, um voyeurismo quase sádico, e aqui Fincher, apesar de mostrar a situação da forma descrita nos livros, tem alguns pudores e inteligência suficiente para perceber o momento certo e o que mostrar. Outra questão que nos livros fica mais clara e que no filme, Fincher preferiu aliviar, é a questão do relacionamento entre seu personagem masculino principal e sua amante, que nos livros vive em um casamento aberto, com seu marido sabendo exatamente onde e com quem ela está, enquanto aqui a situação é camuflada.

Outra alteração tanto em relação ao livro quanto ao filme original, é seu final, que aqui muda a identidade de um personagem importante transformando o desfecho da história, tornando-a mais redonda e evitando um maior excesso de personagens, além de inserir (também para dar um encerramento a todas as pontas soltas) trechos do segundo livro.

Personagens esses que estão envolvidos na história do jornalista Mikael Blomqvist (Daniel Craig), que acaba de ser condenado pela justiça sueca a pagar uma substancial quantia para um industrial importante que foi acusado sem provas na publicação para qual trabalha (a revista Millenium). Ao mesmo tempo o industrial Henrik Vanger (Christopher Plummer) há quarenta anos recebe todos os anos uma flor emoldurada que o relembra do misterioso sumiço de sua sobrinha Harriet, ocorrida em sua própria casa, uma afastada ilha no norte da Suécia. Henrik pede uma investigação sobre Mikael, tentando cooptá-lo a assumir uma pretensa investigação sobre o caso, para de uma vez por todas chegar a uma conclusão sobre o sumiço da garota. Para isso, contrata uma empresa que prepara um dossiê sobre o jornalista. Lisbeth Salander (Rooney Mara), uma hacker de visual agressivo, inquieta e que não leva desaforo para casa entra em cena. Em determinado momento da trama (evitando os spoilers aqui) Lisbeth e Mikael passam a trabalhar juntos para encontrar a verdade por trás da história.

Fincher consegue caminhar por três linhas narrativas diferentes com tranquilidade, apesar da longa duração do filme, conseguindo explorar a situação de Mikael e seus problemas com a justiça, a vida de Lisbeth Salander e ainda a investigação sobre o sumiço de Harriet que acaba resvalando em temas espinhosos.

Mikael, aqui vívido por Daniel Craig, é o herói do filme, apesar de seu comportamento não indicar que ele é um sujeito bonzinho e dócil. Craig não é o herói de ação dos filmes de Bond e até encaixa aqui e ali algumas piadas, tornando-se o elo do espectador com o filme, em especial quando está em companhia de Lisbeth.

Essa por sinal, é brilhantemente vivida por Rooney Mara, de forma diferente do original sueco. Se Noomi Rapace fez de Lisbeth uma figura sombria e que era indecifrável, Mara fez de Lisbeth uma garota igualmente complicada mas que está tentando encontrar ligações com a humanidade, apesar de ter uma história de vida complicada. Outra mudança é que Rapace era mais seca e seu envolvimento com Mikael é direto e objetivo, enquanto Mara apesar de seca tem em seu olhar uma característica mais compreensiva e mais humanizada em relação ao filme original. De qualquer forma, Mara tanto por sua transformação física (auxiliada por uma ótima maquiagem que incluí tatuagens, piercings e um corte de cabelo ousado) quanto por sua ousadia em se apresentar de forma tão "lavada" no filme, merece sim os elogios dados pela imprensa internacional.

Os demais coadjuvantes (muito bem escolhidos) não comprometem. Plummer, um ator que voltou a ganhar seguidos papéis depois de idoso, faz de Henrik um sujeito apaixonado pela vida e por sua sobrinha desaparecida, enquanto Stellan Skarsgard faz de Martin, o CEO da empresa Vanger, um sujeito divertido e boa praça, sempre pronto a ajudar Mikael, o que obviamente gera desconfianças do público, assim como as atitudes do advogado da empresa Gert Frode (Steven Berkoff) que surge cauteloso quanto à importância de Mikael.

Entre as mulheres Robin Wright como a amante de Mikael e dona da revista Millenium, Erika Berger, tem pouco tempo de tela, já que se torna personagem realmente importante nos livros dois e três. Joely Richardson é outra que tem pouco tempo de tela mas sua Anita vem a se tornar peça fundamental na história. O único ponto negativo, é a forma com que o ator holandês Yorick van Wageningen construiu o personagem de Bjurman (o tutor de Lisbeth). Nos livros e no filme original, Bjurman exalava sujeira e era até viscoso. Aqui, Fincher opta por apresentar o personagem como um sujeito duro, mas que aos poucos vai se revelando um canalha. Uma opção que talvez se apóie na ideia de que os monstros estão bem camuflados em nossa sociedade, mas que para o filme faz do personagem mais fraco do que ele deveria ser.

Fincher está em grande fase. Vindo dos ótimos Zodíaco e Rede Social (Button é mesmo um acidente em sua carreira) firma-se ainda mais como um dos poucos autores no cinema comercial americano. Um sujeito que pega seu material de origem e faz de seu filme, um projeto com assinatura própria, com suas marcas e qualidades únicas. Aproveitando-se do gélido ambiente de sua história, Fincher constrói aqui mais um excelente exemplar dos filmes de serial killer, não tão intenso e visceral quanto Seven, mas sem dúvida, merecedor de elogios e de figurar no panteão dos grandes trabalhos sobre o tema.

2012-01-25T13:57:00.000-08:00

Precisamos Falar Sobre Kevin

(We Need to Talk About Kevin, 2011)

Drama - 112 min.

Direção: Lynne Ramsay

Roteiro: Lynne Ramsay e Rory Kinnear

Com: Tilda Swinton, Ezra Miller e John C.Reilly

Certas experiências cinematográficas são, apesar de recompensadoras, profundamente dolorosas. Precisamos Falar Sobre Kevin, dirigido por Lynne Ramsay e estrelado pela genial Tilda Swinton é um desses casos, pois apesar de ser intensa em suas intenções não deixa de ser das mais complexas e difíceis produções cinematográficas de 2011.

Deixando claro desde seu take inicial (quando vemos uma multidão que mais parece um mar viscoso e vermelho tomar forma diante de nossos olhos) que sua vontade como filme é o de incomodar a quem assiste, o filme é uma dolorosa crônica familiar. A partir de uma dura realidade, infelizmente cada vez mais comum, Ramsay versa sobre um lar impedido de enxergar a verdade diante de seus olhos, e sobre a luta desesperada de uma mãe para conquistar o amor de seu filho. Este, um garoto quase niilista, que vê o mundo e sua existência como uma longa e infindável jornada tediosa.

Eva (Swinton) é especializada no chamado jornalismo de aventura, e passa seus dias e noites entre viagens para os mais distantes lugares do mundo, até conhecer Franklin (o ótimo, porém aqui contido, John C.Reilly) e durante um caso, aparentemente, sem importância se vê grávida de forma inesperada. Desde o primeiro momento, percebemos que Eva não está feliz com a situação. Eva não deseja aquele filho, e a direção de Ramsay, até de forma obvia, esfrega essa intenção no rosto do espectador, como na seqüência em que vemos a personagem em uma dessas aulas para grávidas, onde ela é a única que não expõe sua vasta e lustrosa barriga diante do grupo. Enquanto todas as outras mulheres exibem-se felizes, Eva aparenta frieza e quase vergonha por sua gravidez.

Quando Kevin nasce, Ramsay faz do garoto a sua versão de Damien de A Profecia. Kevin é destrutivo, tem um olhar mortífero e cada ato de sua existência é preparado para incomodar sua mãe. Mesmo quando parece fraquejar, uma vez restabelecido volta sadicamente a visualizar sua mãe como sua escrava.

O filme acompanha o desenvolvimento de um psicopata, e tenta formular algumas justificativas para sua existência. De um lado, impõe a teoria da semente ruim, já que desde o nascimento o garoto demonstra ser uma pessoa seriamente problemática. Ao mesmo tempo, a falta de amor durante a gravidez pode ter influenciado Kevin a enxergar sua mãe com uma mistura de amor platônico (já que dela não recebeu o carinho que lhe era devido) e ódio mortal, pois a mesma não era capaz de demonstrar seus reais sentimentos para com o garoto.

O filme é inteligente ao passear por dois tempos diferentes. Enquanto vemos o hoje, em que Eva é uma mulher destroçada tanto física quanto mentalmente, automaticamente nos sentimos impelidos a descobrir o passado daquela mulher e as razões para que sua situação seja tão precária.

Eva usa de um símbolo visual muito obvio, quando suja tanto o carro quanto a casa da protagonista com cores vermelhas (um símbolo clichê para violência, a mesma que foi usada na cena inicial que envolve o mar viscoso de gente avermelhada), apenas para mostrar a incessante luta da protagonista para limpá-la, numa clara referencia a sua própria luta para encontrar a redenção.

No passado, por sua vez, a direção aposta em uma espiral de eventos que vão culminar no – e isso não chega a ser um spoiler, já que a divulgação do filme não fez mistério quanto a esse fato – em um atentado cometido por Kevin na escola em que freqüenta. Mais do que mostrar o ataque, o filme de Ramsay quer é discutir as motivações – se é que existem – para que alguém cometa esse tipo de ato e estudar essa relação doentia entre mãe e filho, sádica, cruel e profundamente desagradável de ser vista.

Durante a projeção, o espectador talvez perceba uma infinidade de closes em determinados objetos de cena, cenários ou mesmo no corpo ou rosto dos personagens. Cada vez que uma dessas imagens surge na tela é sempre com a intenção de incomodar o espectador, seja quando observa a “explosão” de uma fruta na boca de um determinado personagem, ou quando observa os pés descalços e completamente machucados e horríveis de outro, ou quando foca em restos de comida em pratos ou mesmo no chão. A ideia sempre é a de transformar a atmosfera daquela família, em uma imensa carcaça apodrecida que não fede por que está escondida. A podridão e as imagens incômodas têm a função de manter o espectador enojado com a produção.

Tilda Swinton tem mais um desempenho magistral e consegue com brilhantismo interpretar as mutações no comportamento dessa mulher. Metamorfoseia-se de mãe desesperada em conseguir o amor de seu filho (a cena em que vemos um afetuoso Kevin pedir colo a mãe é uma virtuose de talento), para aquela perturbada com o comportamento doentio do filho, ao mesmo tempo em que tenta salvar seu casamento. Eva a todo o momento tenta convencer ao marido que existe algo de errado com aquele garoto quase andrógino, de voz soturna e gosto particular pela arquearia.

Ezra Miller que faz Kevin adolescente, apesar de ser retratado quase de forma caricatural por sua incessante vilania adolescente, tem momento de profunda força dramática. Quando se encontra com a mãe para um dia “divertido” com direito a mini golfe e a um jantar, destrói cada tentativa da mãe em humanizá-lo, e apenas quando a situação parece perdida é que o garoto demonstra uma fagulha de alguma coisa próxima ao que compreendemos como humanidade.

É impossível sair de uma sessão de Precisamos Falar sobre Kevin como se nada tivesse acontecido. Doloroso, virulento, obsceno em sua franqueza e sem nenhuma intenção de aliviar uma discussão doída e perversa, é um filme em que o fato de nos sentirmos mal e ainda tocados pela maré quase sem fim de atos violentos pode querer dizer que ainda somos humanos e que talvez ainda possamos evitar que outros Kevins percorram nossas casas e escolas.

2012-01-24T15:13:00.000-08:00

Moonrise Kingdom

O trailer do novo filme de Wes Anderson, a volta do diretor dois anos depois da aclamação por O Fantástico Senhor Raposo, de cara apresenta o estilo visual do diretor. Com uma fotografia amarelada e a direção de arte que beira o kitsch, que permeiam todos os trabalhos do diretor, a prévia ainda demonstra os zooms milimétricos e os geométricos enquadramentos de Anderson, que o acompanharam até mesmo em sua investida no stop-motion, em Raposo. Com singelos toques emocionais brilhantes, como a aproximação entre as duas crianças (cena que abre o trailer) e o timing cômico do afiado elenco, o trailer ainda remete a um universo onírico e estranho, onde imagens bizarras como a da casa da árvore quase suspensa pelo ar se tornam comuns. E o que dizer do grupo de escoteiros comandados por um Edward Norton á vontade? Boa pedida para o circuito independente de 2012. Anderson não costuma decepcionar.

2012-01-23T15:16:00.000-08:00

The Innkeepers

A primeira prévia do novo filme de Ti West, do elogiadíssimo House of the Devil, introduz muito bem a atmosfera de horror que fez de sua estreia um marco cult. Claramente adepto inveterado do sub-gênero de "casa mal-assombrada", o diretor encaixa uma fotografia onírica em um trailer que utiliza muito silêncio (como o recente The Woman in Black) para criar o terror que pretende. Munido de uma trilha sonora anos 50 (que lembra bastante o game Bioshock, aliás) que apavora em conjunto com as imagens tensas que se passam em tela, Innkeepers parece perfeito em sua proposta, já que se apoia numa mescla interessante entre a composição cuidadosa de quadros e a atmosfera pesada, que aliadas ao cientificismo que a história promete, aproxima o filme ao ótimo Insidious, do ano passado. Excelente pedida para o DVD, já que o lançamento direto em vídeo é, infelizmente, certo.

2012-01-22T14:26:00.000-08:00

Jack - O Matador de Gigantes

O novo filme de Bryan Singer, que saiu do páreo do novo Superman por ele, ganha um teaser trailer dos mais surpreendentes. A fábula infantil, que recentemente foi (decentemente) abordada em Gato de Botas, tinha tudo para virar uma história mais leve, aventuresca, no ritmo de uma jornada como O Hobbit. Porém, Singer entra na tendência do mercado, com suas variações sombrias de contos fabulescos, e cria um João e o Pé de Feijão mais imponente, o jogando no meio de um evento de grandes proporções. Ainda com a barulhenta e contemporânea trilha heavy de John Ottman, Jack soa como um legítimo projeto da Legendary Pictures, que têm o vigoroso épico 300 como seu maior trunfo. Ao fim do bom trailer, porém, fica a dúvida: estaria Singer aproveitando a onda sombria para amadurecer seu conto (como fez em X-Men e Superman) ou estaria apenas ali como um belo esteta de aluguel num filme de produtor? A conferir. Com a boa prévia, Jack vale ao menos a visita.

2012-01-20T18:08:00.000-08:00

A Separação

(Jodaeye Nader az Simin, 2011)

Drama - 123 min.

Direção: Asghar Farhadi

Roteiro: Asghar Farhadi

Com: Peyman Moadi, Leila Hatami, Sareh Bayat e Shahab Hosseini

O que é o Irã? Como é o dia a dia de um dos países mais desconhecidos pelo ocidente? Como funcionam as relações familiares em um país em que a religião e os dogmas são tão arraigados a sua cultura? Como funciona a justiça em um país em que supostamente a repressão é o prato do dia e que a liberdade das pessoas inexiste?

São perguntas como essa que o filme de Asghar Farhadi tenta responder, a partir da história incomum (para o que vemos vindo do país) de um casal em crise conjugal que deseja se separar. A partir desse fato aparentemente banal, Farhadi constrói uma teia de acasos e pequenos problemas que aos poucos vão se transformando em uma verdadeira calamidade dentro do núcleo dessa família.

Simin (Laila Hatami) é uma mulher moderna para os padrões iranianos. Não é religiosa fervorosa, dá aulas em uma escola para garotas e decide se separar do marido, simplesmente porque não se sente mais bem ao seu lado. Visto pelo olhar ocidental, algo perfeitamente comum, mas pelos olhos iranianos (exemplificados na primeiríssima cena do filme) um verdadeiro disparate. Afinal, segundo as tradições do país, uma mulher só deve se separar do marido se o mesmo a espanca ou é viciado. Encerrar uma relação por pura falta de amor, não é comum por lá.

Nader (Peyman Moadi) é um homem que, diferente do que nos acostumamos a ver com as seguidas historias ocidentais que mostram "a realidade dos homens árabes", não é violento, radical e tampouco ignorante. Trabalha em um banco (aparentemente) e é profundamente amoroso para com sua filha Termeh (Sarina Farhadi, filha do diretor) e não tenta em momento algum transformá-las em criaturas inferiores a sua masculinidade.

Quando Simin pede o divórcio, Nader fica com o fardo de um pai inválido que, sofrendo de Alzheimer torna-se mais um empecilho, já que, uma vez que não existe uma pessoa para cuidar do idoso, ele precisa desesperadamente encontrar alguém que cuide de seu pai enquanto ele trabalha.

Entra em cena Razieh (Sareh Bayat) mãe, crente de forma mais dogmática na fé islâmica e que vive uma situação financeira complicada pois seu marido Hodjat (Shahab Hosseini) está desempregado há muito tempo.

A princípio o filme nos faz sentir pena da pobre mãe, que precisa atravessar a cidade vestida dos pés à cabeça como manda a tradição islâmica, levando a tiracolo a filha pequena para enfrentar uma rotina complicada com um homem idoso que fica cada dia mais doente e mais distante das ditas, pessoas normais. Essa situação causa a primeira sequencia que aponta o que de fato Farhadi (também autor do roteiro) pretende discutir. Vemos Razieh desesperada ligando para uma espécie de "disk fé" onde alguém do outro lado da linha a instrui sobre uma dúvida que a personagem tem, ao ter de realizar certa ação com o idoso. Ela tem dúvida se o ato poderia ser encarado como pecado e ainda tem de ouvir a própria filha mais nova dizer que não contaria nada ao pai, que aparentemente é violento.

É disso que Farhadi quer falar. A influência direta e até agressiva da religiosidade nas pessoas e como essa divisão de castas sociais é tão cruel em todos os lugares do mundo. O diretor diz que quanto mais pobre e iletrado, mas suscetível aos "desígnios divinos" e as regras dogmáticas de uma religião a pessoa está. Porém, e felizmente, não é apenas a ladainha contra o fanatismo religioso que todos os seres inteligentes já conhecem, que Farhadi prega.

Durante a história ele também aponta seus canhões para a suposta superioridade intelectual dos mais ricos sobre os mais pobres, colocando-os em papéis diferentes durante todo o filme. Os mais ricos são justos e corretos e os mais pobres, ignorantes perturbados e radicais. Será mesmo?

Será que dentro de cada um de nós não somos no fundo um bando de criaturas mesquinhas e que ao sinal de qualquer conflito tenta de todas as formas vencer nosso "adversário" e infligir a ele a maior dor possível, transformando suas dúvidas e questionamentos em pontos vulneráveis? Farhadi é brilhante em colocar os personagens de frente a um espelho, metafórico, descascando suas verdades e ideais aos poucos.

E tudo motivado por sentimentos tão primordiais quanto nossas existências: amor e medo. Nader por amor a filha e a família é irredutível, e defende sua visão dos fatos com um ferocidade digna de um leão acuado, ao mesmo tempo em que teme a punição dos homens aos seus pecadilhos. Já Razieh teme que sua vida seja (ainda mais) prejudicada se sua visão for esfacelada e por isso a defende como uma fortaleza impenetrável, porém, como Nader, ela também ama sua família e por eles se "sacrifica" mesmo diante de problemas que possivelmente se transformarão em punição por sua fé.

E é nesse caldeirão de meias verdades e mentiras "brancas" que o filme passa a questionar quem são os mocinhos e os vilões dessa história, se é que eles existem. A grande qualidade de A Separação é exatamente essa. As meias verdades e as mentiras "brancas" são igualmente prejudiciais, ou igualmente benéficas, dependendo de quem vence a contenda.

Algo profundamente óbvio, mas que no cinema parece profundamente difícil de ser visto, especialmente no dito cinema comercial. A Separação é um filme profundamente comercial, aliás, já que tem uma narrativa e uma história absolutamente compreensível, mas que por ter o selo "made in Irã", certamente será pouco visto, pouco comentado e terá como companheiro de cela em sua injustificada prisão, o ranço dos muitos consumidores de cinema que ao ouvir uma língua diferente do inglês (ou melhor, agora diferente do dublado em português), tende a torcer o nariz.

Por isso, me sinto quase na obrigação cívica de fazer "campanha" para que A Separação seja visto e revisto, pois por trás de sua história banal, Farhadi é profundo em suas questões e nos mostra que a separação entre os pobres e ricos não é apenas financeira e social, mas também quase esotérica.

2012-01-19T15:18:00.000-08:00

As Aventuras de Tintin

(The Adventures of Tintin, 2011)

Ação/Aventura - 101 min.

Direção: Steven Spielberg

Roteiro: Steven Moffat, Edgar Wright e Joe Cornish

Com as vozes e performances de: Jamie Bell, Andy Serkis, Daniel Craig, Nick Frost e Simon Pegg

2012 começa muito agitado para o mais conhecido diretor de cinema do planeta. Depois de anos afastado da cadeira de direção (Indiana 4 é tão fraco que ignoro sua existência), Spielberg voltou com dois projetos novos e completamente diferentes, tanto em sua proposta narrativa, quanto em seu clima e energia.

Se o Cavalo de Guerra era um modorrento e previsível dramalhão destinado ao aumento do número das vendas dos lencinhos de papel no mundo, As Aventuras de Tintin é o melhor do escapismo "spielberguiano", como há anos o diretor não conseguia fazer. Desde o fantástico Jurassic Park, no paleológico ano de 1992, um blockbuster com sua assinatura não funcionava tão bem. Também marca a primeira incursão do diretor pela até então fracassada técnica da performance capture (que transfere as interpretações dos atores com sensores grudados ao corpo e em frente a uma tela verde para um computador, onde essa performance dá vida a um personagem animado, que por sua vez pode ter a aparência que o diretor quiser) com resultados fabulosos.

Nada melhor do que entregar um "brinquedo novo" a alguém que sabe brincar direito. Robert Zemeckis, o principal lobista dessa técnica e responsável por O Expresso Polar, Beowulf e Fantasma de Scrooge, apesar de ser um diretor competente (afinal um camarada que dirige a trilogia De Volta para o Futuro e Contato não pode ser ruim) não tem nem um décimo do talento de Spielberg. Por isso, é quase "mágico" acompanhar as soluções visuais encontradas pelo diretor para utilizar essa técnica, que pela primeira vez, é realmente bem utilizada.

Spielberg consegue caminhar com grande competência entre o cartunesco e o realismo, assim como a obra original de Hergé, notória pelo trabalho que tinha ao unir a ação típica das tirinhas de quadrinho com uma preocupação estética e histórica na retratação dos cenários onde as aventuras do intrépido repórter aconteciam, como nenhuma outra em seu tempo. Spielberg segue essa cartilha, pois ao mesmo tempo em que vemos deslumbrantes cenários criados pela equipe de animadores (a fantástica cidade portuária no Marrocos é o grande destaque) a ação é tipicamente dos quadrinhos, com pequenos detalhes e "inside jokes" colocadas aqui e ali para divertir o espectador, como por exemplo uma sequencia curta em que um batedor de carteiras perseguido pela polícia tromba na rua com outra pessoa e sobre sua cabeça uma série de canários amarelos surgem voando, para segundos depois, serem resgatados pela dona da loja de animais que fica em frente à ação acontecida.

Spielberg recheou seu filme com essas pequenas piadas e homenagens ao quadrinho original, desde sua abertura, quando um desenhista de rua (talvez o próprio Hergé) faz um retrato de Tintin que é igual ao traço do quadrinista belga. Quando o plano abre vemos uma série de outros personagens também mostrados em retratos com o mesmo traço típico de Hergé. Adiante na projeção, o diretor recheia a sala de Tintin de uma série de recortes de jornal que mostram outras aventuras famosas dos quadrinhos (reconheci duas de saída: O Cetro de Otokar e As Múmias do Faraó). São detalhes que mostram a reverência e o cuidado que o filme foi concebido.

Mas é nas sequencias de ação que Tintin entrega todo o seu potencial. Ficam claros os motivos para que Spielberg tenha optado em criar seu filme com essa técnica, já que seria impossível apresentar sequencias tão energéticas e até cansativas aos olhos - já que muita coisa acontece ao mesmo tempo - caso o filme tivesse sido realizado com as técnicas cinematográficas "comuns". A sequencia de perseguição entre Tintin, o vilão Sakharine e um tanque de guerra é impressionante, de um escopo monstruoso e de uma realização estética impecável. Mas não é só. Mesmo quando precisa diminuir o ritmo, Spielberg o faz com grande competência. Existe toda uma sequencia no deserto que ao mesmo tempo em que desacelera a ação incessante até então, e usada para explicar a história de todo o complô que envolve a história.

História essa, que para quem conhece o quadrinho (ou mesmo a série animada de tv) é muito fiel, apesar de misturar duas histórias diferentes de Hergé. O filme tem o subtítulo de "O Segredo do Unicórnio", obra famosa do autor belga e também trás diversos elementos (em especial no segundo ato, que introduz o personagem de Haddock) de outra obra do quadrinista: O caranguejo das Tenazes de Ouro. Nessa mistura a história começa quando Tintin compra um barco em miniatura que está ligado a um antigo tesouro que era disputado entre o pirata Rakham, o Terrível e o capitão a serviço da coroa inglesa François Haddock. Entra em cena, o misterioso Sakharine que quer a todo jeito o tal barco, já que escondido nele está uma das pistas que leva ao tesouro escondido. Ao mesmo tempo, o coadjuvante mais famoso das histórias de Tintin também aparece por aqui, o famoso Capitão Haddock, um descendente do famoso capitão britânico e um bêbado inveterado, que é famoso por sua incrível habilidade de construir xingamentos inusitados e por seu temperamento explosivo.

A perfeição só não atingida por problemas encontrados na própria historia original, que foi concebida como uma historia em quadrinho ágil, onde alguns acontecimentos são auxiliados por uma mistura de coincidências, acaso e pura sorte, como a própria revelação da pista escondida pelo barco de Tintin. Lembro-me que quando Segredo do Unicórnio foi adaptado para a animação, os dois episódios somavam cerca de quarenta minutos em seu total. O filme de Spielberg tem mais de 100, ou seja, muitas e muitas sequencias de ação foram ampliadas, o que incomoda um pouco, já que o filme tem muito pouco "respiro", seguindo em uma espiral de aventura (de ótima qualidade é verdade), sem tempo para conhecermos melhor nosso protagonista por exemplo.

Essa foi outra saída inteligente dos roteiristas (Steven Moffat produtor executivo de Doctor Who e criador da série Sherlock, Edgar Wright de Scott Pilgrim, Chumbo Grosso e Todo Mundo Quase Morto e Joe Cornish de Chumbo Grosso e Ataque do Bloco) que inteligentemente não optaram por uma história de origem, mas um conto solto no tempo sobre o repórter, assim como os quadrinhos de Hergé. Por outro lado, mesmo em uma aventura solta, pouco nos é revelado sobre a personalidade de Tintin, além de que ele é curioso e muitíssimo inteligente. Quem rouba todas as cenas no entanto, é o Capitão Haddock, um personagem engraçado, espirituoso, cheio de defeitos e impagável. O vilão da trama, o misterioso Sakharine também cumpre o papel de vilão da vez com competência, assim como os detetives mais atrapalhados do planeta, Dupont e Dupont.

Por trás da animação e da movimentação de cada personagem estão atores competentes e um gênio. Jamie Bell (o eterno Billy Elliot e que também esteve em King Kong do produtor Peter Jackson) vive Tintin com a petulância dos quadrinhos e a curiosidade incessante do repórter. Daniel Craig (Bond, James Bond) é Sakharine, e dá ao vilão um misto de charme britânico e a sensação de perigo e astúcia típicas de um bom vilão de quadrinhos. A dupla Dupont e Dupont é interpretada pela dupla número um do mundo, os ótimos Nick Frost e Simon Pegg, repetindo a parceria de Todo Mundo Quase Morto, Chumbo Grosso e Paul.

Mas o grande destaque do filme é Andy Serkis. Já passou da hora de alguém olhar para o trabalho que esse talentoso ator realiza em cada filme que faz e perceber o brilhantismo de cada inflexão de voz, cada movimento realizado e notar que muito mais do que um transmorfo virtual, Serkis é um ator da mais alta qualidade. Seu Capitão Haddock é impecável, grosseiro, mal humorado e engraçadíssimo.

Aventuras de Tintin é o verdadeiro retorno de Spielberg. Leve, escapista até o tutano dos ossos, previsível e profundamente divertido. O primeiro - espero que de muitos - blockbuster de qualidade que chega aos cinemas brasileiros em 2012. Que venha o próximo, quando Peter "Hobbit" Jackson assumirá a cadeira de diretor.

2012-01-18T14:43:00.000-08:00

Imortais

(Immortals, 2011)

Ação/Aventura - 110 min.

Direção: Tarsem Singh

Roteiro: Charley Parlapanides e Vlas Parlapanides

Com: Henry Cavill, Mickey Rourke, Stephen Dorff, Freida Pinto, Luke Evans, John Hurt

O gênero épico, muito popular até a década de 70, era uma garantia de sucesso. Desde os grandiosos (em duração e escala) filmes de David Lean até o maior ganhador do Oscar da história, o Ben-Hur de William Wyler, o gênero era responsável pelas produções mais imponentes do Cinema. Na Itália, em estúdios como o lendário Cinecittà, essas produções eram o foco, até a chegada do Faroeste Spaghetti, para aparecer como uma variação mais barata desses projetos enormes. Recentemente, os épicos ficaram desgastados e perderam espaço para os blockbusters. Com o sucesso de Gladiador, porém, os produtores da Meca do Cinema acharam que o gênero poderia voltar ao auge. Daí vieram exemplares como Troia, que mostrou que era necessária uma verdadeira revolução para alçar o Épico ao auge novamente.

E em 2007, surgiu 300. Com seu Green screen e sua fúria contagiante, que ia desde os combates estilizados até a trilha heavy medieval, Zack Snyder pintava com o visual de Frank Miller, ao conceber um estilo invejável e que modernizava o épico - sem que isso significasse esquecer das lições dos mestres da narrativa do gênero.

O que nos leva a esse Imortais. Desde o primeiro trailer, a nova produção da Relativity Media tenta entrar no caminho deixado por 300. Não por acaso, os produtores são os mesmo Mark Canton e Gianni Nunnari, do filme de Snyder. Porém, o diretor provou seu lado autor e moldou o visual ao seu gosto.

Vendo pelo lado artístico, foi uma questão de tempo até Tarsem Singh encontrar o gênero. Para um épico que visava uma estilização constante, Imortais tinha no assumido esteta Singh um diretor perfeito. E não poderia ser diferente: o melhor do projeto reside justamente nas qualidades gráficas do indiano.

Logo após o prólogo, o roteiro de Charley e Vlas Parlapanides volta no tempo para introduzir os personagens. Ao mesmo tempo em que Theseus é visto como bondoso homem do povo e do trabalho braçal, Hyperion é retratado como feroz ditador, de fala áspera e métodos cruéis de tortura. Porém, se o esquema de retratar os dois nêmesis logo de cara seja moderadamente convincente, excessivamente conveniente são as situações que delineiam o protagonista. Introduzi-lo como um pescador solitário, que é retratado como humilde mas rapidamente demonstra ser pleno conhecedor das artes marciais, é uma preguiça que vitima consideravelmente o desenvolvimento do maior dos personagens. No final, a impressão que fica é que Theseus é um homem movido pela vingança, não um humano nobre e digno de uma apoteose.

Já Hyperion tem um desenvolvimento mais rebuscado (o que não implica que o mesmo seja perfeito). A cena envolvendo um grande martelo é crucial para definir o imediatismo do rei, mesclado com suas iniciativas violentas. Além disso, há uma decapitação perto do fim que consolida perfeitamente essa característica, o que revela certo comprometimento do roteiro com a fidelidade ao caráter de seus personagens, que jamais fazem algo que não seja de seus feitios pré-estabelecidos.

Só que não basta apenas ser fiel á sua base se ela não suporta tanto. Imortais têm uma narrativa que flerta com o panorâmico, tendo diversos núcleos (enfoca os deuses, a ascensão de Hyperion, a tensão do rei prestes a ser atacado pelo vilão, a jornada de Theseus), mas que não obtém sucesso inquestionável em nenhum dele. A investida de Hyperion tem ótimos momentos, como a invasão perto do clímax. O "walk-movie" que leva Theseus até a batalha final também, como a onda gigante. Porém, dizer o mesmo sobre a abordagem dos deuses seria desserviço, afinal mal se nota a presença dos mesmos no filme, mesmo que o visual incrível proporcionado pela direção de arte e pelos figurinos de Eiko Matsuda se aliem à ultra violência na tarefa de chamar a atenção. Fora a questão estética, cortesia do sempre perfeccionista Singh, os deuses são mal explorados e porcamente lembrados pelo script da projeção.

Se não bastasse os erros estruturais, o roteiro dos Parlapanides ainda contém certas situações que resultam em buracos no guião. Por que colocar os dois antagonistas frente a frente para um mero diálogo pré-batalha? Por que Zeus relutou tanto em interferir nos planos de Hyperion (e nos humanos) se, desde criança, Theseus foi treinado exatamente pelo deus, disfarçado de humano? E o que dizer do caos narrativo, com direito a uma confusa montagem de Wyatt Jones, que a batalha final representa?

E aí entra a questão da pretensão do projeto. Caso assumisse exatamente o que é - a transformação de um humano em um Deus - Imortais poderia enxugar sua narrativa, aparar as diversas vias desnecessárias, e se tornar um projeto mais conciso. Ao muito almejar, o filme acaba perdendo a força naquilo que deveria ser seu maior forte: o desenvolvimento da ascensão de Theseus. Em momento algum, se sente o sacrifício que se requer para a apoteose contida aqui (e a atuação de um aqui limitado Henry Cavill não ajuda muito). Ao enfocar sem sucesso o pior dos núcleos, o da muralha prestes a ser invadida, o filme perde um tempo precioso. Basicamente, a impressão que fica é que Theseus não se fez um herói; apenas andou bastante, deu sorte de ser treinado pelo maior mestre de todos e teve habilidade ao usar o que aprendeu. Em um épico, nada é mais importante que a transformação do herói em algo mais. Em Imortais, isso é apenas um quase fato casual.

Não que o projeto não honre o gênero, claro. O respeito á mitologia, como provam as situações "históricas" e a atmosfera grega que o visual do filme tem, acabam compensando certos defeitos. Ainda que rasa, a representação dos deuses empolga esporadicamente, como na intensa e excepcional batalha contra os titãs. Fora que perto de quase épicos que se vestem de aventura para esconder sua ridícula estrutura narrativa, como o recente e péssimo Fúria de Titãs, Imortais é um projeto muito vigoroso até. E nisso, a segurança de Rourke como vilão ajuda bastante seu segmento. E, ainda que operísticas em excesso, as atuações dos deuses encontram uma unidade em sua teatralidade, o que não atrapalha o filme - ainda mais se levando em conta a boa presença de cena de Luke Evans.

Obviamente, esse vigor é alcançado através da direção de Singh. Ainda que não tenha a sensibilidade necessária para entender os problemas de seus heróis e corrigi-los, o diretor tem seu talento artístico mais uma vez comprovado. Em parceria com o diretor de fotografia Brendan Galvin, Singh pinta com a câmera quadros que beiram o realismo e iluminação do Renascimento, saindo-se incrivelmente bem ao compor os ângulos estritamente estéticos de seu filme, como as elegantes introduções e finalizações de cena onde o cenário se torna mais amplo. Além do mais, impossível não admirar as belas cenas com os deuses, a violência gráfica envolvente do clímax (embalada pela correta trilha de Trevor Morris) e as cenas de maior catarse, como o choque de Poseidon com a água ou a flecha que abre o cofre dos Titãs. E o que dizer do último take do filme, que tira o fôlego ao mostrar os deuses se guerreando, suspenso no ar?

Imortais é a prova de que há esperança na produção de bons épicos em Hollywood, ainda que também mostre a falta de sensibilidade de produtores em reconhecer os defeitos óbvios de uma produção, antes dela ser realizada. A falta de controle narrativo de Singh se fez valer pela primeira vez, o que vai totalmente ao oposto da experiência inteiramente autoral que o mesmo passou em Dublê de Anjo. Estiloso e competente Singh é, mas certamente precisa se sair melhor em encontrar defeitos no trabalho que filma.

Ao menos, o filme não existe por motivações puramente mercadológicas, como faziam parecer os anúncios que citavam 300 a todo o momento. Só de não ser uma mera cópia genérica de um projeto vitorioso, o filme de Singh já merece um pouco de atenção.

Afinal, se não honra o clássico gênero como o filme de Snyder fez, ao menos Imortais o respeita.

2012-01-17T15:44:00.000-08:00

GI Joe - Retaliação

O divertido primeiro trailer da sequência do discutível GI Joe empolga justamente por não investir no humor bobo e previsível do primeiro projeto. A surtada empreitada dos roteiristas de Zumbilândia, que consistiu em matar quase toda a esquipe chefe do filme anterior, evidencia a iniciativa de um quase reboot para a já ensaiada "franquia". Enxugando o número de personagens, GI Joe 2 promete manter apenas o que o primeiro tinha de mais estiloso: os ninjas rivais entre si e o super-soldado vivido por Channing Tatum. Mantendo o mesmo espírito absurdo de antes (tudo o que se espera de um filme baseado em... bonecos), o trailer cumpre o prometido ao compor mirabolantes sequências de ação ao som da ótima Seven Nation Army. Ainda se assumindo mais estúpido do que o primeiro já era (Casa Branca tomada?), o filme ainda conta com a presença do sempre carismático The Rock, o que o torna um bom candidato a bom blockbuster do verão americano.

2012-01-16T14:15:00.000-08:00

Prometheus

O espetacular primeiro teaser do misterioso prelúdio de Alien continua a demonstrar a volta dos bons teasers, que causavam curiosidade sem mostrar nenhuma informação concreta. A montagem com imagens frenéticas e assustadoras dá um tom semelhante ao próprio Alien em sua intrigante atmosfera. Com uma direção de arte primorosa, que se mostra mais interessante inclusive do que a de Avatar, Prometheus almeja ser uma volta de Ridley Scott á ficção-científica de qualidade. Pelo visto, será da maneira mais memorável possível, já que os questionamentos levantados pelo filme em relação á humanidade prometem uma história tão aterrorizante quanto estimulante intelectualmente. Um surpreendente e embasbacante encontro de Alien com 2001, Prometheus já faz necessária a visita em seu primeiro vislumbre de narrativa.

2012-01-15T14:22:00.000-08:00

Sherlock Holmes: O Jogo das Sombras
(Sherlock Holmes: A Game of Shadows, 2011)
Ação/Aventura - 129 min.

Direção: Guy Ritchie
Roteiro: Michele Mulroney e Kieran Mulroney

Com: Robert Downey Jr., Jude Law, Noomi Rapace e Jared Harris

O primeiro Sherlock Holmes de Guy Ritchie foi um bom início para uma renovação do personagem, que veio muito bem a calhar. Os contos de Sir Arthur Conan Doyle eram de um suspense muito mais cadenciado, e o Sherlock retratado originalmente tinha uma seriedade britânica típica. Obviamente a persona encarnada por Robert Downey Jr. teria uma irreverência moderna, que revitalizaria a franquia nas telonas. No primeiro capítulo, basicamente o que funcionou de melhor foi a intenção. Não que o longa de 2009 seja ruim, longe disso. O problema foi justamente a falta de apuro no roteiro estrutural, que apresentava problemas sutis de organização - como um acúmulo de sequências de ação no terceiro ato - e a irritante insistência de explicar cada um dos eventos ocorridos, dando ares de um verdadeiro "Scooby Doo" á narrativa. Além disso, a trama pouco envolvente também não gerava muito interesse. Realmente memorável era a performance de Downey Jr. - que rendeu ao ator o Globo de Ouro no ano seguinte - e a parceria muito carismática com Jude Law.

Ao fim da exibição do primeiro filme, ainda surgia um grandioso gancho para continuação. Embora o fato de perder tempo em um filme incutindo nele sugestões de um próximo capítulo possa parecer um tanto estressante, ficava a esperança de que um longa futuro pudesse aproveitar o carisma de seus personagens e aplicá-lo numa trama inteligente, e que demonstrasse um pouco mais de esmero nas suas construções narrativas. Podemos dizer que essa expectativa é um tanto quanto correspondida em Sherlock Holmes - O Jogo de Sombras. Embora ainda permaneça com alguns dos defeitos do original, esta nova produção dirigida por Ritchie é mais sofisticada que a que a precede - e isso gera um gás muito favorável e necessário á franquia do detetive inglês.

A história da vez trás para as telas o arquiinimigo de Holmes, o professor Moriarty (Jared Harris) como uma ameaça de nível mundial. Em 1891, a Europa está à beira de uma guerra entre suas principais potências - e Alemanha e França são as grandes candidatas a iniciar o conflito a qualquer momento. Através de atentados contínuos por meio de bombardeios á determinados locais, Moriarty parece estar inflamando as desavenças internacionais para ver as batalhas serem declaradas o quanto antes. Cabe a Sherlock Holmes e seu ajudante John Watson (Jude Law) desvendarem o plano do vilão, e impedirem que ele atinja sua meta.

Escrito por Kieran e Michelle Mulrooney - mais eficientes que o trio o qual elaborou o script do primeiro filme - o roteiro deste segundo Sherlock apresenta muitas melhorias em relação ao original, e a mais notável delas é a sua estrutura de arcos mais coerente, fruto de uma mente criativa mais organizada do que aquela que concebeu o primeiro longa. Desta vez, o projeto se firma mais constante e estável do que o anterior, e seu desenvolvimento, apesar de esquemático, favorece uma melhor apreciação de suas cenas, conseguindo distribuí-las de maneira uniforme e bem pensada, culminando num belo clímax sem soar apressado, muito menos entediante.

Dito isso, também é preciso reconhecer que só a presença de James Moriarty já acrescenta muito mais fervor á película. O clássico nêmesis de Holmes abre brechas para um embate de nível muito mais elevado. Isso já era inerente ao personagem, sem o toque dos roteiristas. Estes, contudo, têm habilidade suficiente para construir o personagem no cinema de maneira redonda, sem exageros megalomaníacos, porém possuindo frieza e inteligência bastante consideráveis, servindo de contraponto ideal para o astuto protagonista. Aliás, o vilanesco Moriarty é um dos grandes responsáveis pela melhor parte não só do filme, mas também de toda a franquia até aqui - o grande clímax do já clássico jogo de xadrez. Possuindo o melhor tom de suspense de toda a projeção, carrega o aspecto legítimo de tensão dos contos de Sherlock Holmes originais. O ponto alto do filme, que foi projetado com talento pela dupla responsável pelo roteiro.

Entretanto, é impossível negar a presença de alguns erros remanescentes do longa anterior. As constantes explicações que explicavam desnecessariamente o contexto do filme, permanecem, permitindo que a franquia continue com o cheiro familiar do Dogue Alemão que desmascara vilões em desenhos animados. Ademais, a narrativa também peca pelo desenvolvimento de seus novos coadjuvantes. Embora tenha uma participação importante em determinada parte da trama, a cigana Simza (Noomi Rapace) esmorece em momentos cruciais, não conseguindo sustentar sua relevância - culpa não da belíssima e talentosa atriz sueca, mas sim do roteiro, que torna sua participação menor e não dedica atenção necessária á personagem. Outro que parece um bônus no filme é Stephen Fry, interpretando Mycroft, o irmão de Sherlock. Apesar de divertido, o personagem se monta subaproveitado, servindo apenas como alívio cômico pontualmente.

Entretanto, se personagens secundários não são tão bem valorizados, temos na contramão protagonistas de grande apelo ao público - a química indiscutível entre Law e Downey Jr. está ainda mais forte neste capítulo - e as atuações da dupla, á vontade como de costume, beneficiam-se muito da contínua lapidação de suas personas. Outro que consegue transmitir toda a personalidade daquele que encarna nas telas é Jared Harris. O ator de Mad Men tem sucesso ao passar ao público a mentalidade fria e genial de seu personagem. Sem exagerar indo para o caricato, mas também não dando margem para uma insensibilidade inexpressiva - como Michael Nyqvist fez no recente Missão Impossível 4 - o inglês adere ao caráter de seu personagem, com todo o mérito, a expressão "sem pontas soltas".

Cabe a Guy Ritchie filmar o satisfatório roteiro com seus maneirismos típicos, usando e abusando dessa vez da câmera lentíssima - como na espetacular sequência na floresta, onde nossos protagonistas são alvos de metralhadoras, e os disparos podem ser acompanhados pelas câmeras de 1000 quadros por segundo, que foram usadas nessa ocasião. Várias oportunidades da câmera lenta "clássica" são aproveitadas em diversos combates muito bem capturados- e tudo soa ainda mais interessante com a trilha de Hans Zimmer, que mantém o tema do original, mas produz variações que acompanham o ritmo do filme - e é muito sonora e empolgante a trilha no momento em que Holmes trava uma luta pelo cassino. A bela direção de arte parece ainda mais grandiloquente e bem realizada que a do primeiro filme, e isso se deve provavelmente ao aumento do orçamento.

Apesar de uma aventura esquemática, Sherlock Holmes - O Jogo de Sombras, ainda é um produto escapista muito mais bem realizado que seu antecessor. Usando um ritmo acelerado que não cessa, esta obra consegue de vez estabelecer uma "mitologia" para a franquia de um Sherlock renovado e a cada episódio mais moderno. Um verdadeiro James Bond da Inglaterra Vitoriana. Para este Holmes bonachão e aventureiro concebido por Downey Jr., só faltam os gadgets, cuja época não permite a introdução. E, com a muito provável vinda de um terceiro filme para a série, parece que Guy Ritchie saiu do nicho de filmes de gangsteres, para cair em blockbusters de época.

2012-01-13T14:48:00.000-08:00

O Espião que Sabia Demais
(Tinker, Tailor, Soldier, Spy, 2011)
Drama/Thriller - 127 min.

Direção: Tomas Alfredson
Roteiro: Bridget O'Connor e Peter Straughton

Com: Gary Oldman, Colin Firth, Mark Strong, John Hurt, Toby Jones, Benedict Cumberbatch, Tom Hardy

A Espionagem em geral sempre foi um terreno fértil no Cinema. Desde os tensos thrillers realistas como O Alfaiate do Panamá e O Dia do Chacal até os engenhosos blockbusters como Jogos Patrióticos e Missão Impossível, passando pela cine-série de James Bond, o gênero encontrava nos fãs de ação um público fiel, ainda que fossem competentes o suficiente para agradar os cinéfilos. Assim como Ian Fleming, John Le Carré foi um mestre desse gênero na literatura, construindo densas narrativas e povoando-as com excepcionais personagens. Porém, se Fleming se baseava em uma vertente mais pop da espionagem, com suas intrigas e reviravoltas como palco para a ação e charme de seu 007, Le Carré era mais cru, verossimilhante. Seus espiões não tinham o mesmo glamour e a famosa licença para matar, mas eram claramente mais complexos e inteligentes.

E em uma análise básica, é exatamente sobre isso que é O Espião que Sabia Demais, novo trabalho do diretor sueco Tomas Alfredson. Sombrio, tenaz, intrincado e extremamente impessoal, o projeto encanta por suas ousadas escolhas narrativas e seu desenvolvimento impecável de personagens, ainda que enfoque melhor a rotina da espionagem em geral.

Jim Pridoux (Mark Strong) está na Hungria. Ele acaba de receber uma informação de seu chefe, Control, que continha a evidência de um espião infiltrado no alto escalão britânico, o Circus. Porém, algo dá errado. O trabalho, árduo, perdia seu principal analista. O correto então seria reconsiderar o emprego do maior deles. George Smiley (Gary Oldman) então ajeita seus óculos, volta para seu trabalho e tenta achar o traidor interno.

Como disse o Alfaiate, um dos cinco suspeitos, "nada parecer ser como realmente é". Esse pensamento não poderia estar mais correto. Pridoux começa sua conversa com seu informante e atenta para todos os lugares. Nessa cena pré-créditos, uma das melhores sequências da nova década, a natureza fria e pesada dos espiões se percebe como um soco. A grávida na cena e o olhar desesperado de Mark Strong dão o tom da gravidade da situação. Logo, é interessante enxergar em Espião um filme atmosférico. Não só pela granulação da estupenda fotografia chiaroscura de Hoyte van Hoytema, mas pela impessoalidade com que o roteiro de Peter Straughan e Bridget O'Conner trata seus personagens e situações, privilegiando o estudo da espionagem.

Cada take, engrandecido por uma perfeccionista direção de arte, exala a década de 70. Mas mesmo assim, um visual incrível não causaria uma imersão tão expressiva como o jogo de intrigas a que somos submetidos no filme.

A tensão dá as cartas desde o princípio. Em Budapeste, o silêncio predominava em relação aos diálogos. Pridoux olhava para todos com um ar desconfiado. Essa angústia é o que toma a narrativa de assalto, ao impor sempre dualidade em suas cenas, onde todos desconfiam de todos. O teor da atmosfera é medido pelas lentes de Alfredson com destreza. A imponente troca de foco, que revela John Hurt na sala de reuniões no início, dá o ritmo paciente que o filme toma, sempre analisando com cuidado tudo o que vê. Apresentando com cuidado todos os envolvidos sem que isso os torne menos suspeitos (o que os créditos iniciais e a conversa de Oldman e Cumberbatch fazem com primor), o roteiro demonstra um domínio pleno sobre o gênero, entregando uma obra que observa e questiona.

O registro preciso das ações, obviamente, é o que se mais espera em uma película que investe tanto no estudo (seja de personagens ou situações). Alfredson, como bom cineasta europeu, vai na contramão dos diretores de suspense e abre mão de uma interferência maior como narrador em prol de uma brilhante lógica visual. Ao enfocar as ações em planos subjetivos, a meia distância e munido de zooms milimetricamente calculados, Alfredson examina a espionagem como um verdadeiro espião, encaixando as situações e decifrando os mistérios enquanto realiza seu panorama da tensa época da Guerra Fria. Trabalhando com close-ups somente quando se é necessário extrair alguma informação do personagem (seja ela literal ou uma investigação emocional de alguém como Smiley), o diretor sueco impressiona pelo cuidado e ousadia com sua abordagem técnica. E, como bom espião, desconfia até mesmo do registro da sua imagem, o que impressiona pela proposta. Não temos um narrador ditador, nem um espião passivo. Temos um diretor-espião.

Roteiro e direção em sintonia, portanto. A força de Espião, além da fidelidade ao estudo da espionagem, é seu roteiro complexo, onde a tensão não diminui por um minuto sequer. Uma abordagem essencialmente visual para a narrativa, afinal, é o que um filme como esse teria mais dificuldade de obter. Mesmo obras excelentes, como o Inception de Christopher Nolan, se rendiam ao falatório para verbalizar suas complexas escolhas de roteiro. Espião, porém, vai além. Alfredson, ciente da capacidade analítica de seu público (e de si mesmo), liga seu quebra-cabeça por pequenas sacadas. A intrigante montagem, que mal nos deixa saber em que tempo estamos (fundamental para um exemplar de espionagem), é auxiliada por Alfredson, que estabelece o óculos de Smiley como mediador oculto do tempo. Sabemos que aquela festa, esfumaçada por Hoytema, se passa no passado porque nosso protagonista foi ao oculista mudar suas lentes nos créditos iniciais. E conceber elegantes transições como aquela mediada pelo trilho do trem é notável.

Impessoalidade, aliás, que não nos impede de ter uma relativa ligação com os personagens. Gary Oldman, digno de Oscar, entrega uma segurança impecável a seu personagem (e Alfredson é perfeito ao introduzi-lo por pequenas ações, que retratam a personalidade do inglês). Ricki Tarr, vivido por um preciso Tom Hardy, é impulsivo e é conhecido pelo espectador logo nas sombras, numa sutil referência á natureza "black-ops" das ações de seu trabalho. Logo depois, somos informados de seus impulsos emocionais, o que o tornam a peça mais vulnerável do tabuleiro. Colin Firth e Toby Jones entregam uma competência habitual, enquanto Benedict Cumberbatch e Mark Strong impressionam por suas presenças únicas em cena. Esse último, aliás, merece tantos prêmios quanto Oldman, em um elenco magistralmente preparado por Jina Jay.

E quando vemos uma cena extremamente tensa ter uma música da época como fundo, enxergamos que pode ter algo acontecendo ali. Cumberbatch olha tenso para os lugares. Será que estão me observando? Será que havia escutas? Nem tudo é o que parece. Por que o meu investigador está cantarolando sobre o tal senhor Wu?

O jogo de intrigas se exacerba. Nesse meio, qualquer coisa pode ter segundas intenções. Até mesmo os amores e casos extraconjugais são parte de algo maior. A exaustão causada pelo intrigante e desafiador modo de analisar seus antigos colegas toma vias extremas. Nada pessoal, obviamente. Afinal, um espião tem que ser frio e observador, inteligente e racional (assim como o filme, em geral). Para alguém tão focado e centralizado em seu ofício, não há beleza maior que encontrar uma epifania. A emoção não vem de descobrirmos que é o traidor. Alfredson é fantástico em tornar a descoberta de Smiley, na outra cena da escuta, o motivo de maior catarse. É o estudo que está em questão, afinal. O traidor é só mais um mistério, perto de vários apresentados.

E, em teoria, não há nada mais angustiante que uma tortura desesperada, com um som ensurdecedor nos ouvidos. Mas talvez ver um amigo ser ameaçado a sofrer exatamente a mesma coisa pode ser pior. Ou, quem sabe, não exista algo mais desesperador que ser descoberto. Aquela lágrima, sem dúvida, foi por compaixão. Mas o tiro foi por isso ou por uma auto-proteção de uma possível segunda personalidade? Espiões e suas infinitas possibilidades.

O Espião que Sabia Demais é perfeito pelo seu engenhoso roteiro e cuidadoso planejamento de personagens, mas transcende qualquer competência ao tratar seu público como um ser inteligente, adulto e maduro. Como um receptor de informações fornecidas pelo espião Tomas Alfredson.

Porque um filme tão confiante em quem está do outro lado da tela, que transforma o esquema "diretor-espectador" em "espião-informado", merece ser visto.

2012-01-12T14:24:00.000-08:00

Os Pôsters de 2011 - Parte 2

Dando seguimento a nossa lista de grandes cartazes de 2011 (veja a primeira parte aqui), seguem os outros 25 selecionados por nossas equipe.

Hanna

O thriller de ação do diretor Joe Wright, infelizmente só chega aos brasileiros via dvd (leia nossa crítica aqui) mas seu pôster é dos melhores do ano. Passando a ideia do isolamento que a personagem vive presa no meio do vazio da neve e do gelo, ao mesmo tempo em que enfoca o olhar de Saorsie Ronan, inquieto e misterioso.

Hesher

Outro filme que (se vier) deve chegar ao Brasil apenas em dvd, Hesher é um drama sobre um garoto que perde a mãe e que ao perder contato com o pai, vê em Hesher (Joseph-Gordon Levitt) a figura paterna que precisa. O pôster entrega a personalidade de seu protagonista, é de bom gosto com a imagem do personagem vista em P&B sobre o fundo preto e ainda é bem humorado com a tipografia do cartaz que usa da fonte da banda de heavy metal Metallica (que também tem canções na trilha sonora) para dar mais uma pista sobre os gostos do personagem.

Hobo with a Shotgun

Machete saiu em 2010, mas o verdadeito trash movie de uma nova geração é esse perturbado e engraçadíssimo Hobo with a Shotgun (algo como Mendigo com a Calibre 12) estrelado pelo sumido Rutger Hauer. O pôster é uma clara homenagem ao cinema exploitation dos anos 70, carregado de ilustrações cartunescas e um aspecto de velho, gasto e remendado.

Tudo Pelo Poder

Além do filme dirigido por George Clooney ser um dos mais interessantes do ano passado, seu pôster é sem dúvida outro destaque. Misturando os rostos de Gosling e Clooney, o pôster já indica que acompanharemos a história do homem por trás de uma campanha política. Aquele sujeito que "segura a revista" enquanto o candidato tem seu rosto estampado nas publicações, mas que na realidade é uma "criação" de uma equipe de campanha talentosa interessada em vencer a eleição. Um grande trabalho de estilo também, já que conseguiu de forma sutil misturar os rostos dos dois atores de forma orgânica, sem parecer falso.

The Innkeepers

O terror de casa assombrada Innkeepers não esconde sua intenção (nem no pôster) de ser um filme "clássico" do gênero. Ainda sem data de lançamento no Brasil, o cartaz do filme adota uma estética retrô e de muita elegância para simbolizar a importância da chave e da fechadura para a história do filme. Mesmo parecendo ter saído diretamente do final dos anos setenta, o pôster de Innkeepers deixa o espectador interessado em conferir os mistérios por trás da fechadura dourada.

A Dama de Ferro

Com previsão de lançamento para o mês de fevereiro no Brasil, A Dama de Ferro conta a história da ex-primeira ministra da Grã-Bretanha Margaret Thatcher, interpretada pela grande Meryl Streep. O pôster simples, mas bastante elegante, atenta o espectador para a grandiosidade da personagem retratada, colocando seu rosto "rebocando" o Big Ben e o parlamento britânico.

O Porto/Le Havre

O novo filme do diretor finlandês Aki Kaurismaki de grande sucesso pelo seu O Homem sem Passado, fez um barulho danado no último festival de Cannes, e tem previsão de estreia no Brasil para o mês de março. Na historia, um velho senhor da cidade de Le Havre faz amizade com um garoto africano, enquanto este é perseguido pela imigração. Apesar do plot parecer sério e dramático (ainda não conferi o filme) o pôster é cartunesco, lindamente ilustrado e com especial cuidado com as cores. Apostando em ilustrações em que os blocos de cores preenchem as ilustrações, passa uma sensação calorosa e de bem estar, o que pode ter a ver com a amizade entre os dois personagens.

Martha Marcy May Marlene

Outro filme ainda sem data de lançamento no Brasil, o dramático Martha Marcy May Marlene, conta a história da garota Martha que volta para casa depois de deixar uma comunidade violenta. O lindo pôster lembra a ideia do também ótimo Fish Tank, que tinha as mesmas ideias visuais e ainda mostra claramente a grande dificuldade da personagem principal no filme. Vemos no cartaz duas metades, que simbolizam a sua personalidade, em conflito entre a comunidade que deixou e sua família.

Assassinato à Preço Fixo

O remake do filme de Charles Bronson nos anos setenta, ganhou esse fantástico pôster em que uma arma é criada a partir de um quebra cabeça formado por outras armas. Algo semelhante ao pôster de Senhor das Armas, em que o rosto do ator Nicolas Cage era formado no pôster por balas de fuzil. Aqui, além de esteticamente bonito, as armas entregam a natureza do projeto, um filme de ação com muitas (e muitas) trocas de tiro.

O Homem que Mudou o Jogo

Com estreia prevista para o início de fevereiro, O Homem que Mudou o Jogo é a história de Billy Beane que revolucionou a história de seu time de beisebol quando assumiu a direção geral da franquia. O pôster (outro exemplo de que simplicidade e bom gosto são mais importantes do que efeitos bonitos) mostra a dificuldade da tarefa do personagem de Brad Pitt, mostrando-o em tamanho diminuto diante da imensidão do campo de beisebol, o que nos transmite a mensagem de quão longo é o caminho a percorrer pelo personagem e quão grande é seu amor ao esporte.

Planeta dos Macacos: A Origem

Entre os muitos pôsters de divulgação de Planeta dos Macacos, os mais interessantes foram aqueles destinados a campanha virtual do filme. Esse, em especial, além de indicar a hashtag a ser utilizada na divulgação do filme, é objetivo, bem humorado e fantástico como promoção da história, já que o filme mostra exatamente a tal revolução simiesca a partir do olhar de seu líder, o chimpanzé César.

The Rum Diary

O novo filme estrelado por Johnny Depp, fracassou nos Estados Unidos e ainda não tem previsão de lançamento no Brasil, mas a história (mais uma) adaptada de outro livro do genial Hunter S. Thompson conta a história do jornalista Paul Kemp e sua estadia na ilha de Porto Rico. O pôster parte de uma ideia simples, mas muito bem realizada, utilizando uma série de garrafas de bebidas para escrever o título do filme, o que já indica que o teor alcoólico do filme será alto.

Pânico 4

Simples e icônico, misturando as duas marcas registradas da franquia em uma só imagem: o rosto do serial killer conhecido como Ghost Face e a faca utilizada pelo assassino para matar suas vítimas. Além disso, o pôster utiliza a semelhança tipográfica entre a letra A e o número 4 para escrever seu título de forma ainda mais impactante.

Beleza Adormecida/Sleeping Beauty

Com previsão de estreia comercial para meados de fevereiro, Sleeping Beauty esteve no último Festival do Rio (leia nossa crítica aqui) e o pôster é um ótimo preview para quem não pode vê-lo. A beleza clássica de Emily Browning amparada pela iluminação naturalista e o bom gosto do cenário, dá a impressão que estamos vendo uma pintura do século XVI, o que revela um pouco da qualidade visual do filme da estreante Julia Leigh.

Aqui é o Lugar/This Must be the Place

O novo filme do diretor Paolo Sorrentino (Il Divo e Le Conseguenze dell'Amore) e estrelado por Sean Penn, só chega ao Brasil em meados de Abril, mas a história do roqueiro dos anos oitenta que volta para casa atrás do assassino do pai esteve na lista dos indicados a Palma de Ouro em Cannes em 2011. O pôster, apesar de não ser brilhante, ganha o nosso reconhecimento por apostar na caracterização impagável de Sean Penn, como uma mistura de Boy George e Robert Smith e sua expressão facial, um misto de susto, vergonha e tédio.

O Espião que Sabia Demais

O thriller de espionagem dirigido pelo aclamado Tomas Alfredsson (Deixe Ela Entrar), além de tecnicamente impecável, apresenta já em seu pôster características da produção. Tons escuros (azul, preto, verde escuro entre outras cores que predominam no filme), um ar de severidade a flor da pele e o cuidado com a inserção de elementos que são utilizados no filme, como os nomes códigos dos personagens principais da produção.

Tiranossauro

Mais um filme ainda sem data de estreia no país, que esteve no Festival do Rio em 2011 (leia nossa crítica aqui) e que tem um dos pôsteres mais incríveis do ano que passou. O tal tiranossauro - uma clara metáfora com a personalidade agressiva do protagonista - enterrado na terra em pleno esplendor, enquanto um homem espera pacientemente em cima do túmulo da fera pré-histórica. Cinzento, abusando dos diversos tons de marrom, cinza e preto é, ao mesmo tempo, melancólico e sutil em sua mensagem.

Tio Boonmee, que pode Recordar suas Vidas Passadas

O filme do diretor tailândes de nome impronunciável apelidado de Joe, foi um dos mais aclamados mundo afora, e, apesar de não ser partidário de tamanha empolgação é impossível negar a originalidade da história do homem que a beira da morte se lembra de suas vidas anteriores e é visitado por seus entes queridos vivos e mortos. Visualmente muito bem realizado e dotado de um pôster que já é icônico, mostrando a misteriosa criatura humanoide de pupilas vermelhas que vaga pela floresta tropical.

Compramos um Zoológico

Apesar da comédia água com açúcar de Cameron Crowe não ter agradado, seu primeiro pôster é excelente. Usando de grafismos para criar a árvore que surge a partir da mão de um personagem, com sua copa formada pelas patas dos muitos animais e de mãos humanas, o pôster é sensível com a história que conta e indica os caminhos encontrados por seu diretor para contá-la.

Precisamos Falar Sobre Kevin

Entre os muitos ótimos posteres dessa dolorida produção escolhemos esse, pois é o que melhor representa a relação conflituosa entre Eva e seu filho Kevin. Além do tom esfumaçado e que desfoca ligeiramente a personagem de Swinton, os olhares dos personagens entregam suas personalidade de forma clara e objetiva. Enquanto o garoto olha de forma dura e direta para a frente, seguro de suas ações, Swinton tem as sobrancelhas levemente arqueadas e um olhar pensativo que entrega suas dúvidas quanto a sua vida e ao seu relacionamento com o garoto Kevin.

In the Land of Blood and Honey

O famoso e polêmico (acusado de plágio) filme dirigido por Angelina Jolie e indicado ao Globo de Ouro de filme em língua não inglesa, parece ser uma bomba. Quem viu não gostou nada, e o brasileiro (e eu também) poderá dar suas impressões a partir de meados de fevereiro, data marcada para a estreia do filme por aqui. Já o seu pôster, apesar de óbvio, é bem realizado, misturando o mapa do centro da Europa com a mancha de sangue que forma a figura de um casal que (imagino) tenham religiões antagônicas e sejam importantes para a produção.

Angels & Airwaves - Love

O drama claustrofóbico sobre um astronauta preso na Estação Espacial Internacional, nem tem previsão de chegar ao Brasil (dificilmente chegue) mas o pôster é mais uma daquelas ideias simples, mas muito belas. Apenas um homem sentado, no que parece ser um apoio da estação, com o sol surgindo por detrás da Terra, para reforçar a solidão da situação do personagem.

Natural Selection

Mais um dos muitos filmes que parecem interessantes e que não tem espaço em lugar algum. Nesse, uma cristã fervorosa, descobre que o marido era doador de sêmen a cerca de 25 anos quando esse sofre um ataque cardíaco e morre na clínica de doação. Parte então para descobrir o filho biológico mais antigo do marido, essa figura ilustrada no pôster, um dos mais "chocantes" e divertidos do ano. A frase que aparece no pôster auxilia essa intenção ("Linda White has found his son", traduzindo: "Linda White encontrou seu filho") e a diferença entre a personagem de Linda e do rapaz todo arrebentado aponta para a velha história de mundos diferentes se chocando.

Septien

A história do homem que retorna para casa para tirar os esqueletos do armário e resolver questões inacabadas entre ele e seus irmãos é brilhantemente ilustrado por esse pôster, que é na verdade um quebra-cabeças ilustrado por imagens caricaturais e que permanece desmontado, indicando a jornada de reconstrução do personagem.

Shit Year

O filme que narra a vida de uma atriz perdida depois que abandona a carreira é alvo dessa pintura belíssima, que ilustra em P&B uma vida que vai escorrendo pelo papel depois que sua principal atividade de sua vida é encerrada. Simples, bonito e que dá vontade de pendurar na parede.

2012-01-11T15:23:00.000-08:00

Os Pôsteres de 2011 - Parte 1

Este ano, tivemos diversas artes que encantavam por muitos motivos diferentes. Algumas assustavam pela elaboração cuidadosa (Meia-Noite em Paris, Girl with Dragon Tattoo) outras por uma imagem poderosa e simples (Tree of Life e 127 Horas). Havia até mesmo artes que pouco significavam sozinhas, mas que se encaixavam tão perfeitamente no filme da qual pertenciam que isso as fazia engrandecer, como em Shame, Drive e Batman. Aqui temos os melhores cartazes do ano na opinião de nossa redação. Obviamente, sempre algum fica de fora, mas essas artes em especial remetem logo á memória, seja por qualquer dos motivos listados acima. Essa é a primeira parte de nossa que engloba vinte e cinco cartazes selecionados por nossa equipe. Na segunda parte, os outros vinte e cinco.Lembramos ainda que os pôsters não estão em ordem de preferência.

Sherlock Holmes: O Jogo das Sombras

A arte envolta em uma atmosfera sombria, com a sombra de Moriarty literalmente cercando nossos herois, demonstra um bom exemplar de um conceito batido, mas bem realizado.

Árvore da Vida

O pé solitário de um recém-nascido, segurado pela mão de um Brad Pitt fora de campo, funcina tanto para a beleza plástica da vida que o filme prega quanto para encantar. Uma beleza pura e inocente.

Aventuras de Tintin

Um lendário explorador e seu cão, com um navio intrigante ao fundo e o planeta aos seus pés. Aventuresco e essencial ao introduzir a intriga internacional que paira o projeto.

Eu Receberia as Piores Notícias dos Seus Lindos Lábios
A musa crescendo pra cima de um encantado súdito de sua beleza e poder. Singelo e brilhante, o cartaz evoca bem a atmosfera do filme.

Millenium - Os Homens que Não Amavam as Mulheres

O novo filme de David Fincher já ganha em seu marketing promocional uma arte que evoca os thrillers mais sombrios, com uma fotografia gélida e dessaturada que transmite o mistério da trama perfeitamente. Indo ainda além aos encaixar seus protagonistas e poses estilosas, o cartaz finaliza seu brilhantismo colocando o símbolo que é uma pista do assassinato como marca d'água.

127 Horas

Contando com uma imagem simples, do protagonista numa rocha, o pôster do filme encanta justamente pelo efeito em contraluz que eterniza a assustadora acrobacia de Aron pendurado.

Batman: O Cavaleiro das Trevas Ressurge

Direta, a primeira arte lançada para o novo filme do morcego não usa de muitos efeitos e uma elaboração mais cuidadosa; sabe a força de sua poderosa imagem. Um brutamontes perigoso, uma climática chuva e ma máscara quebrada falam por si só.

Shame

Outra imagem simples, mas com grande significado para a narrativa. Os lençóis revoltos simbolizam e sugerem perfeitamente a natureza sexual do filme, que com certeza surpreenderá com sua temática adulta e extrema no estudo de personagem.

Drive

O estiloso olhar perdido de Ryan Gosling, de costas para a câmera e com uma incrível presença de cena, dita bem o ritmo da narrativa do filme, o que torna o cartaz provocante em sua proposta de representar de forma tão direta uma metonímia da atmosfera do crime de Nicholas Winding Refn.

Super 8

A belíssima visão ampla de um ambiente misterioso de uma cidade pequena é realçada pelo imponente flare, que dá uma estética toda especial e épica para o acontecimento ali retratada. O fato da arte ser em vertical ainda emula os filmes de Spielberg, o que representa bem a proposta do projeto.

Rango

O nosso grande heroi camaleônico em toda sua glória. Há mais pra dizer?

O Dublê do Diabo

O filme que colocou Dominic Cooper no mapa apresentava um trailer que prezava bastante pela estética e um estilo a là Scarface de gângster. A proposta também se aplica ao cartaz, que mostra bem o sentimento de poder que, em teoria, passaria pela cabeça do protagonista. Fora que tudo pintado de dourado é um deleite aos olhos. Uma pena que o filme não tenha sido despojado assim.

Meia-Noite em Paris

A arte, que foca um Owen Wilson á margem do Rio Sena, impressiona pela beleza plástica e pelo cuidado. O respeito e admiração do diretor pela Arte em geral, que move o filme, se nota bem explicitamente nesse belo cartaz.

Contágio

Os nomes da cidade, estampados em um cartaz típico de distribuição em uma época alarmante de doenças, é um tanto previsível, mas impressiona do mesmo jeito ao captar uma letra de cada cidade para formar o nome CONTAGION.

Inquietos

A beleza visual de um casal jovem, anda mais com a deslumbrante Mia Wasikowska sendo a garota, por si só já renderia um cartaz competente. Porém, o trabalho vai além ao adaptar uma cena normal de casalzinho, deitados no chão, a proposta do filme, que discursa sobre a morte. Dois corpos, delineados no chão onde Henry e Mia deitam, é a representação máxima do flerte constante com a morte de ambos.

Carnage

Usando muita cor, quase numa homenagem a pop-art, o pôster do mais novo filme de Roman Polanski (e que só estreia no Brasil em junho) é simples, mas consegue com grande facilidade transmitir sua mensagem. Dois casais que passarão por situações que os farão ir da alegria, a raiva ao ódio.

Não Tenha Medo do Escuro

A produção de Guillermo del Toro pode não ter sido o grande filme de horror que muitos esperavam, mas seu primeiro pôster nos convenceu que seria, e isso é um grande mérito. Apostando nos quadrinhos, a ilustração é simples, mas expressiva e brinca com as cores vermelha e preta para contar o plot básico da história de maneira clara e objetiva.

The Greatest Movie Ever Sold

Você até não gostar da abordagem que Morgan Spurlock dá a seus documentários, algo na linha Michael Moore, onde o documentarista é tão importante quanto o tema a ser mostrado, mas é inegável dizer que o norte-americano sabe como poucos vender seus filmes. É só procurar os pôsteres de Super Size Me e Where in the World is Osama Bin Laden? e notar como Spurlock sempre tenta mostrar claramente sobre o que é seu filme, ao mesmo tempo em que usa de humor para conseguir seu objetivo. No seu filme mais recente (ainda inédito por aqui) Spurlock fala sobre o mundo da publicidade e o cartaz claramente ventila uma possibilidade ao mesmo tempo aterradora (corpos cobertos de propagandas) quanto engraçada.

I Saw the Devil

Ainda inédito no Brasil, o suspense I Saw the Devil, conta a história de um serial killer e do policial que o persegue (leia nossa crítica aqui) é estrelado pelo "Oldboy" em pessoa Min-sik Choi e dirigido por Jee-woon Kim (roteirista do terror sobrenatural O Mistério das Duas Irmãs). O pôster ao mesmo tempo em que é bastante simples, é macabro e eficiente, pois já apresenta a situação assustadora do serial killer em perseguição as suas vítimas.

Cold Fish

Também inédito por aqui (mas com crítica no Fotograma, leia aqui), o novo filme de Sion Sono conta a história da origem de um psicopata e como qualquer um de nós pode estar sujeito a, sob pressão, se transformar em um maníaco. O pôster é brilhante, pois mostra uma cena do filme, o "diabinho" que aconselha nosso protagonista e o próprio com os óculos quebrados e parecendo estar a beira de um surto.

Capitão América: O Primeiro Vingador

Épico. Grandioso. Simbólico. Essa é a ideia por trás desse que foi o melhor dos pôsteres de filmes de herói lançado em 2011 (Batman e Tintin chegam por aqui em 2012). Além disso mostra aos fãs detalhes do uniforme do personagem e aponta o estilo fotográfico que o filme seguiu (mais cru, mais próximo do realismo dos filmes de guerra quando mostra os combates durante a segunda guerra mundial).

Corman's World: Exploits of a Hollywood Rebel

Exibido no último festival de Sundance, o documentário sobre a carreira de um dos produtores e diretores mais importante do underground americano têm entre seus muitos pôsteres esse que destaca algumas das produções mais importantes de Corman, como Corrida da Morte: Ano 2000, Piranha, Grand Theft Auto (que foi a inspiração para a série de games de mesmo nome), o exploitation de Candy Stripe Nurses e o mítico The Trip, que mostrava "viagens" de LSD em plena contra-cultura americana.

Dirty Girl

O pôster entrega a ambientação oitentista da produção desse road movie em que uma jovem e seu amigo homossexual partem sem destino pelas estradas americanas. Esteticamente muito bem realizado, mostra características da personagem principal e indica informações sobre o plot da história.

Happytrankyoumoreplease

O drama sobre as dificuldades de crescimento de uma geração de jovens adultos, é mais um dos muitos e muitos filmes que entram em cartaz e saem despercebidos. Porém seu pôster é incrível e um dos mais criativos, simples e originais do ano. Usando caixas coloridas para formar o título do filme é ao mesmo tempo elegante e funcional.

A Centopeia Humana 2

Confesso aos leitores que nunca vi nenhum dos filmes dessa série gore chamada Centopeia Humana, mas é inegável que o filme fez um barulho enorme mundo afora. O pôster da sequência é ótimo, porque vende a ideia macabra de doente do filme, ao mesmo tempo em que é discreta em sua intenção, ou seja, você entende o princípio da coisa, sem precisar virar a cara para o outro lado, enojado.

2012-01-10T15:51:00.000-08:00

A ELEIÇÃO

Uma vez que vocês viram as nossas listas individuais, fica mais fácil entender quais foram considerados pelo nosso júri, os melhores filmes lançados no país em 2011. Em uma votação simples, que atribuiu pontos aos filmes de acordo com sua posição nas listas de cada votante, chegamos a lista de 10 dos melhores lançamentos do ano que passou. Junto com pequenos comentários que defendem a ideia do porque estes filmes merecem figurar na lista de melhores, estão as críticas publicadas sobre os filmes (quando existirem) que podem - ou não - concordar com a inclusão dos mesmos na listinha. Afinal, toda lista é polêmica, e no cinema as verdades absolutas não existem. Divirtam-se!

10 - Contágio
(Contagion, 2011)

dir: Steven Soderbergh

"Um dos últimos projetos do profílico Steven Soderbergh antes de sua anunciada aposentadoria, Contágio representou para os filmes apocalípticos de infecção viral o que Traffic, do mesmo diretor, representou pros panoramas de drogas. O elenco estelar, em um ótimo momento, se aliou ao roteiro perfeito de Scott Z. Burns e á direção inventiva do criativo Soderbergh para criar um dos melhores filmes do ano, surpreendente e realista até as últimas consequências. Interessante, mais que tudo, por não se limitar ao pós-apocalíptico e dar os holofotes para o "pré" e o "durante".

Leia nossa crítica aqui

9 - Bravura Indômita

(True Grit, 2010)

dir: Joel e Ethan Coen

"As geniais obras de faroeste, estavam considerados quase extintos até o renascimento com este filme genial, que destacou uma grande aposta futura, a jovem Hailee Steinfeld. Uma surpresa e tanto para os que estavam desacreditados com o "Bang-Bang", quanto para aqueles que julgavam não gostar do estilo".

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8 - Cisne Negro

(Black Swan, 2010)

dir: Darren Aronofsky

"Quem acompanha o Fotograma sabe que em nossa votação de 2010, abrimos uma exceção a esse monumental trabalho e o incluímos em nossa lista, fazendo dele "inelegível" para 2011. Porém, contando com convidados e com a força do filme, resolvemos ignorar nossas próprias regras e nos rendermos novamente ao desbunde visual, sonoro, interpretativo e sombrio dessa pérola chamada Cisne Negro"

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7 - Incêndios

(Incendies, 2010)

dir: Denis Villeneuve

"o drama FENOMENAL retrata, além dos conflitos religioso-territoriais da região da Palestina, suas consequências na vida e psicológico de uma "ativista" e ex-prisioneira. É um filme essencial para qualquer ser-humano que julgue gostar de cinema, o definitivo "soco no estômago" de 2011".

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6 - Super 8

(Super 8, 2011)

dir: J.J. Abrams

"O belo trabalho de J. J. Abrams, uma aventura inesquecível, ocupa seu lugar no panteão dos melhores do ano com toda justiça. Dizer que o sci-fi de gênero criado por Abrams é uma homenagem ao cinema oitentista de Steven Spielberg, apesar de óbvio, seria estreito. Desde a paixão das crianças pelo cinema até o curta durante os créditos, o que move Super 8 é a homenagem ao cinema. Uma digna ode a essa lindíssima arte"

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5 - X-Men: Primeira Classe

(X-Men: First Class, 2011)

dir: Matthew Vaughn

"Sem dúvida o blockbuster mais surpreendente do ano, o prequel de X-Men vagava nas mentes dos cinéfilos como um trabalho questionável. Os péssimos cartazes, as fotos fracas e um primeiro trailer genérico acabaram diminuindo a expectativa (o que só ajudou o filme). O que Matthew Vaughn, vindo do espetacular Kick-Ass, nos apresentou foi uma aventura de qualidade, com um visual incrível e uma atmosfera sessentista de Guerra Fria que só se igualava em qualidade com os debates ideológicos da produção, capitaneada pelas atuações magistrais de Michael Fassbender e James McAvoy".

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4 - A Pele que Habito

(La Piel que Habito, 2011)

dir: Pedro Almodóvar

"Pedro Almodóvar, depois do revés causado pelos problemas de criatividade que vitimaram Abraços Partidos, volta em grande estilo com esse interessante ensaio da loucura vestido de filme de terror. Os elementos do horror utilizados em A Pele que Habito acabam levando a narrativa para caminhos cada vez mais interessantes. E o que dizer da bizarra reviravolta, que fecha a trama não linear de forma brilhante? Uma excelente volta de um mestre do Cinema, que ousa ao usar o terror como ferramenta de exploração da psique humana".

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3 - Melancolia

(Melancholia, 2011)

dir: Lars von Trier

"Uma das melhores obras do ambicioso Lars von Trier, este filme não poderia ter outro nome senão a de uma disfunção emocional que pode ou não destruir uma vida - ou, neste caso, um planeta inteiro. Uma produção extremamente metafórica e magistral".

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2 - Meia-Noite em Paris

(Midnight in Paris, 2011)

dir: Woody Allen

"O Formidável filme de Woody Allen foi a volta do diretor ás comédias de qualidade. Porém, mais que isso, foi um belo manifesto moderno sobre o conceito anacrônico de amor ao tempo, ao tempo em que não se vive. Admirar os tempos passados, afinal, atingiu o escritor Gil Pender de Owen Wilson como atinge a todos nós, humanos. Profundamente belo, engraçado e poético de uma forma humanista, Allen mostrou para todos como se faz um drama leve para reverenciar a capacidade de admiração da arte".

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1 - Árvore da Vida

(Tree of Life, 2011)

dir: Terrence Malick

"Nenhuma surpresa na eleição do melhor filme do ano segundo o Fotograma. Mais do que uma obra complexa e difícil, Árvore da Vida é um desbunde sensorial, diferente de quase tudo que povoa o cinema nos últimos anos e uma profunda reflexão sobre a vida, o universo, a fé e o amor. Uma legítima obra de arte"

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Textos por Alexandre Landucci, Gabriel Papaléo e Teeh Schwarz (obrigado pela ajuda)

2012-01-09T16:43:00.000-08:00

A ELEIÇÃO

Uma vez que vocês viram as nossas listas individuais, fica mais fácil entender quais foram considerados pelo nosso júri, os piores filmes lançados no país em 2011. Em uma votação simples, que atribuiu pontos aos filmes de acordo com sua posição nas listas de cada votante, chegamos a lista de 10 do piores lançamentos do ano que passou. Junto com pequenos comentários que defendem a ideia do porque estes filmes merecem figurar na lista de piores, estão as críticas publicadas sobre os filmes (quando existirem) que podem - ou não - concordar com a inclusão dos mesmos na listinha. Afinal, toda lista é polêmica, e no cinema as verdades absolutas não existem. Divirtam-se!

10 - Lanterna Verde
(Green Lantern, 2011)

dir: Martin Campbell

" O esperado primeiro filme sobre o grande super-herói da DC Comics já causava certa desconfiança desde o primeiro trailer, que apontava um tom exageradamente cômico para o personagem. A prévia lembrava demais Homem de Ferro, o que denunciava a falta de imaginação dos produtores, que apostavam em uma fórmula consagrada para ter um filme de sucesso. Porém, ao menos o trailer empolgava esporadicamente, devido á boa montagem das cenas de ação. Mas nada poderia prever o desastroso resultado final. Com um roteiro esquemático e horrível, piadas tolas e atuações canhestras, Lanterna Verde conseguiu ofender os fãs do personagem e ainda, de lambuja, criou um blockbuster terrivelmente falho em suas pretensões, não conseguindo ao menos divertir um pouco. Não por acaso, foi um dos maiores fracassos de 2011"

Leia nossa crítica aqui

9 - Transformers: O Lado Oculto da Lua

(Transformers: Dark of the Moon, 2011)

dir: Michael Bay

" Jogar pedra em Michael Bay é uma constante no mundo do cinema e não é por acaso. Ao mesmo tempo em que o diretor é capaz de grandes avanços tecnológicos e de realizar grandes sequencias de ação, é patético quando precisa desenvolver qualquer história e isso não melhora nesse Transformers 3, que desde a saída já diz a que veio. Apresentando sua protagonista feminina com um generoso close de suas nádegas, Bay já demonstra todo o seu desprezo por qualquer coisa que pudesse se parecer com um roteiro e destrói sem piedade toda e qualquer tentativa de criar uma boa história. Além disso aproveita mal uma série de bons atores que estão no filme apenas para receber seu trocado no fim do dia. Nem a selvageria cibernética e as ótimas sequencias de ação salvam mais um desastre de Michael Benjamin Bay "

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8 - Justin Bieber: Never Say Never

(Justin Bieber: Never Say Never, 2011)

dir: Jon M. Chu

"O problema não encontra-se necessariamente no ídolo teen do novo século, mas sim no fato de alguém do 'sub-mundo' do pop ter levado em consideração que ele tinha algo para contar ou mostrar em sua turnê, embriagada em música de péssima qualidade"

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7 - Estrada para Ythaca

(Estrada para Ythaca, 2011)

dir: Pedro Diógenes, Guto Parente, Luiz Pretti e Ricardo Pretti

" Tédio, tédio e tédio... é dessa forma que consigo descrever essa experiência cinematográfica, que além de ser indulgente, é dotada de uma pretensão ímpar e de uma série de símbolos que misturam cinema de arte, regionalismos e alienígenas viajando no ácido.... uma tragédia pedante e sem graça"

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6 - Dylan Dog e as Criaturas da Noite

(Dylan Dog: Dead of Night, 2011)

dir: Kevin Munroe

"A trasheira, que adapta a excelente obra em quadrinhos italiana, encaixa a proposta de blockbuster cômico para um personagem sombrio que de estiloso investigador virou um vazio e inexpressivo sub-Constantine (e o pior: o de Keanu Reeves). Com um plot fraquíssimo, que tenta estabelecer um panorama sobrenatural para crimes, acaba investindo em situações vergonhosas (como o prólogo com o advogado suicida) e personagens pouco inteligentes (como o assistente de Dylan). Uma bomba das piores, que cheira a produto oitentista de ação, mal acabado em seus efeitos e barato até a raiz"

5 - Invasão do Mundo: Batalha de Los Angeles

(Battle Los Angeles, 2011)

dir: Jonathan Liebesman

"O filme que introduziu Jonathan Liebesmann para a direção de Fúria de Titãs 2 gerou um hype enorme antes mesmo de sua estreia. Um filme de guerra alienígena, com estética documental e trama de videogame parecia muito bom no papel. Porém, o que se viu foi uma produção execrável, com um roteiro raso que não chegava a lugar algum, uma direção ridícula e incompreensível e uma tempestade de clímaces, um pendurado no outro, deixando uma ação que, julgando-se desenfreada, acabava apenas chatíssima. Uma produção decepcionante, sendo ainda pior que patriotadas idiotas (e divertidas) como Independence Day".

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4 - O Turista

(The Tourist, 2010)

dir: Florian Henckel von Donnersmarck

"Angelina Jolie e Johnny Depp não são de escorregar em suas escolhas, buscando sempre obras que ilustrem alguma nova experiência, e este filme é mais uma destas: a experiência de participar de uma propaganda de perfume com mais de 1:10 de duração"

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3 - Cilada.com

(Cilada.com, 2011)

dir: José Alvarenga Jr.

"Em um ano em que a produção comercial brasileira bateu recordes de mediocridade, Cilada é um daqueles que orgulhosamente levaram a bandeira do mal gosto país a fora. A patética construção dos personagens, os diálogos pedestres, sequencias de mal gosto atroz e um clímax chupado de comédias românticas de muito mais talento, fazem de Cilada.com indefensável"

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2 - A Saga Crepúsculo: Amanhecer Parte 1

(The Twilight Saga: Breaking Down - Part 1, 2011)

dir: Bill Condon

"Não bastassem os vampiros brilharem na luz do sol ou lobisomens descartarem a existência da lua para suas transformações, agora um morto pode reproduzir-se com uma humana que é devorada internamente por sua cria pela qual o lobisomem sem lua apaixona-se?!"

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1 - Assalto ao Banco Central

(Assalto ao Banco Central, 2011)

dir: Marcos Paulo

"Um filme que, tentando fugir do tripé estereotipado da produção nacional - Favela x Drogas x Sexo - acaba sustentado por momentos desnecessários e mal filmados. Uma obra carregada por situações desconfortáveis que beiram o ridículo"

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Textos de: Alexandre Landucci, Gabriel Papaléo e Teeh Schwarz (obrigado pela ajuda)

2012-01-07T14:27:00.000-08:00

Cavalo de Guerra

(War Horse, 2011)

Drama - 146 min.

Direção: Steven Spielberg

Roteiro: Lee Hall e Richard Curtis

Com: Jeremy Irvine, Peter Mullan, Emily Watson, Niesl Arestrup, David Thewlis, Tom Huddlestone, Benedict Cumberbatch

Steven Spielberg é um mestre naquilo que faz. Um manipulador de mão cheia, capaz de conseguir extrair lágrimas dos mais frios e de emocionar com quase qualquer história quando inspirado, o diretor parece ter voltado a boa forma depois da tragédia Indiana Jones e o Reino da Caveira de Cristal. Lançando no mesmo ano Cavalo de Guerra e Aventuras de Tintin (ainda não visto) Spielberg parece ter retomado o ritmo de produzir duas obras num mesmo ano, como fez em 2005 com Munique e Guerra dos Mundos, em 2002 com Prenda-me se for Capaz e Minority Report e principalmente 1993, quando entregou o drama de guerra emocionante Lista de Schindler e um dos maiores blockbusters da história do cinema: Jurassic Park.

Em sua nova produção com cara de Oscar, Spielberg fala sobre a busca do ser humano por um avatar que simbolize a esperança em meio às dificuldades. Acompanhando a historia de Albert Narracott (interpretado por Jeremy Irvine) um jovem garoto que treina um cavalo arredio para ajudar sua família pobre na fazenda arrendada e cheia de dividas, Spielberg nos coloca no lugar do garoto (a principio) mas especialmente no lugar do animal, chamado de Joey (que é o personagem principal do filme) acompanhando suas reações a um mundo novo e em suas várias aventuras.

A primeira meia-hora do filme lembra uma série de outros que exploram a relação homem-animal de forma até cafajeste, apelando para a emoção fácil do espectador, porém, quando a trama passa a contar com a variável da Primeira Guerra,a produção muda de tom e passa a utilizar o animal como epítome de umas serie de sonhos e expectativas dos vários personagens que passam a conviver com o cavalo. Desde os cavaleiros do exercito britânico (os bons Tom Huddlestone e Benedict Cumberbatch), passando por uma petulante jovem francesa, por dois irmãos alemães muito unidos e um tratador de animais também alemão, culminando na sequencia em que mostra como (segundo Spielberg) a humanidade ainda tem salvação, lembrando bastante o ótimo filme francês Feliz Natal em sua proposta.

A ideia de situar boa parte da projeção a partir das ações perpetradas pelo cavalo só aumenta a sensação de que o animal é quase um messias, uma criatura dotada de sabedoria e inteligência superior aos homens e que está vagando pela terra para trazer esperança aos atingidos por suas próprias deficiências. Spielberg faz de Cavalo de Guerra o seu libelo (mais um) contra a violência, e se em Lista de Schindler o foco foi um homem arrependido, Soldado Ryan mostrou-se a coragem diante do fogo e em Munique, os problemas da vingança, aqui é a esperança antropomorfizada em um animal, um ser sem vaidades, cobiça ou ódio.

Spielberg também acerta tecnicamente já que auxiliado por seus parceiros de longa data (o fotografo Janusz Kaminski, o designer de produção Rick Carter, e o compositor John Williams entre outros) consegue uma sinergia muito peculiar ao seu trabalho, que ao mesmo tempo em que é previsível no conteúdo é muito bem realizado na forma, em especial nas escolhas da fotografia que destacam os muitos e variados cenários em que o filme se passa.

Em Cavalo de Guerra, somos levados de uma idílica fazenda britânica, cercada de montes, pedras e uma vegetação rasteira, aos gloriosos campos de trigo dourados, onde a cavalaria britânica surge como se brotasse do chão, nessa que é a sequencia mais bonita de todo o filme. Conhecemos também o cinzento dia a dia do front alemão, onde se destacam a intenção de transformar o lado perdedor em uma região desesperançosa, como se o filme (de forma até infantil) precisasse reforçar ao espectador que aquele lado sairá perdedor na guerra. Já quando o filme mostra um pequeno chalé em solo francês, a cor e a alegria é novamente focada, com destaque especial também para a ótima direção de arte (Neil Lamont e equipe) que se destaca por ser a porta-voz da beleza clássica no filme. O escopo da fotografia de Kaminski, não é esquecido durante todo o filme, já que entranhado na historia de superação animal, está um filme de guerra, e em especial em seus últimos minutos.

Diferente do que fez em Resgate do Soldado Ryan, no entanto, Spielberg filma suas cenas de batalha campal com mais fluidez e elegância, e com certa distância do cheiro de terra pisada e da sujeira dos corpos atingidos. Parece ter sido mais reverente com os soldados na primeira guerra em campo, deixando para concentrar-se no que acontece nas trincheiras da guerra, nessa que foi a última guerra em que os exércitos se enfrentavam em campo aberto diretamente.

Apesar de acompanharmos uma história simples e até em certos momentos enfadonha (já que o personagem principal do filme fica por boa parte do tempo longe de seu objetivo, e por boa parte da projeção o garoto Albert não é visto no filme, nos deixando a mercê de uma serie de outros personagens que em maior ou menor grau ocupam esse lugar de leading role no filme) a epicidade conseguida por Spielberg compensa os eventuais momentos excessivamente melodramáticos (e sim, eles existem em um considerável número).

Em um filme em que existem tantos atores em pequenos, porém significativos papéis, fica até difícil destacar alguém, mas é impossível não comentar que o jovem Irvine é fraco e incapaz de emocionar ninguém, deixando a cargo do cavalo (pois é) o fardo de emocionar a platéia. A jovem impertinente e doce Celine Buckens que faz a garota francesa Emilie e os dois soldados, um britânico e um alemão que se unem em uma causa comum durante a cena mais bonita do filme são os destaques positivos desse filme em que muitos personagens deveriam ser cortados para o bem do filme e do humor do espectador.

Cavalo de Guerra não é original, é profundamente previsível e até arrastado em suas mais de duas horas e vinte de filme e de um classicismo que beira a chatice. Mas é um desbunde emocional (embora covarde em alguns momentos), particularmente doce e sensível em suas relações e tecnicamente uma aula de gêneros cinematográficos (filme de guerra, suspense, comédia, drama familiar). Uma pena apenas que Spielberg pareça ter se acovardado, e esquecido que o maniqueísmo funciona, é verdade, mas que dele sempre esperamos muito mais.

2012-01-06T14:03:00.000-08:00

Listas Individuais

10 - Rango

9 - Planeta dos Macacos - A Origem

8 - Sucker Punch: Mundo Surreal

7 - Super 8

6 - Meia-Noite em Paris

5 - Contágio

4 - X-Men: Primeira Classe

3 - A Pele que Habito

2- Melancolia

1 - Árvore da Vida

por Joaquim Pedro

10 - Bravura Indômita

9 - Poesia

8 - Tudo Pelo Poder

7- Namorados para Sempre

6- Cópia Fiel

5 - Homens e Deuses

4 - A Pele que Habito

3 - Incêndios

2 - Meia-Noite em Paris

1- Árvore da Vida

por Alexandre Landucci

10 - Bravura Indômita

9 - 127 Horas

8 - Contra o Tempo

7 - Rango

6 - Meia Noite em Paris

5 - A Pele que Habito

4 - Contágio

3 - X-Men: Primeira Classe

2 - Melancolia

1 - Árvore da Vida

por Gabriel Papaléo

10 - 127 Horas

9 - Cowboys & Aliens

8 - Transformers: O Lado Oculto da Lua

7 - Piratas do Caribe: Navegando em Águas Misteriosas

6 - Gigantes de Aço

5 - Planeta dos Macacos - A Origem

4 - Super 8

3 - X-Men: Primeira Classe

2 - Meia-Noite em Paris

1 - Os Muppets

por Luiz Schenk

conheça o trabalho do Luiz no www.senpuu.com.br

Pela primeira vez o Fotograma abre espaço em sua votação anual para colegas e amigos de outras bandas darem suas opiniões a respeito do que de melhor e pior chegou as telas de cinema brasileiro em 2011. Cada lista será somada as listas de nossos colaboradores para, uma vez somada, chegarmos aos melhores do ano, segundo um júri mais abrangente e plural.

Desde já agradeço a gentileza de cada um dos que, gentilmente, elaboraram suas listas. Aos leitores, peço que conheçam também o trabalho dos colegas, clicando nos links que acompanham a identificação dos autores das listas.

10 - Um Conto Chinês

9 - Os Muppets

8 - Um Sonho de Amor

7 - Trabalhar Cansa

6 - Mamute

5 - Lola

4 - Tudo Pelo Poder

3 - A Pele que Habito

2 - Melancolia

1 - Árvore da Vida

por Bruno Machado

conheça o trabalho do Bruno em: http://vejasp.abril.com.br/blogs/cinema-filmes/

10 - X-Men: Primeira Classe

9 - Harry Potter e as Relíquias da Morte: Parte 2

8 - Rango

7 - Cópia Fiel

6 - Meia-Noite em Paris

5 - Bravura Indômita

4 - Árvore da Vida

3 - Cisne Negro

2 - Melancolia

1 - Incêndios

Teeh Schwarz

conheça o trabalho da Teeh em: http://cinemaeafins.com/

10 - Rango

9 - Contágio

8 - X-Men: Primeira Classe

7 - Meia-Noite em Paris

6 - Árvore da Vida

5 - Missão Impossível: Protocolo Fantasma

4 - Bravura Indômita

3 - O Discurso do Rei

2 - Cisne Negro

1 - Super 8

por Vicky Salles

conheça o trabalho da Vicky em: www.pinkvader.com

2012-01-05T14:40:00.000-08:00

Listas Individuais

10 - Reféns

9 - Qualquer Gato Vira-Lata

8 - Esposa de Mentirinha

7 - Cilada.com

6 - O Turista

5 - A Saga Crepúsculo: Amanhecer Parte 1

4 - Lanterna Verde

3 - Justin Bieber: Never Say Never

2 - Assalto ao Banco Central

1 - Invasão do Mundo: Batalha de Los Angeles

por Joaquim Pedro

10 - Garota da Capa Vermelha

9 - Noite de Ano Novo

8 - Assalto ao Banco Central

7 - Invasão do Mundo: Batalha de Los Angeles

6 - Estrada para Ythaca

5 - As Viagens de Gulliver

4 - Cilada.com

3 - O Turista

2 - Dylan Dog e as Criaturas da Noite

1 - Animais Unidos Jamais Serão Vencidos

por Alexandre Landucci

10 - Redenção

9 - Entre Segredos e Mentiras

8 - Lanterna Verde

7 - O Turista

6 - Justin Bieber: Never Say Never

5 - Invasão do Mundo: Batalha de Los Angeles

4 - Assalto ao Banco Central

3 - Reféns

2 - Qualquer Gato Vira-Lata

1 - A Saga Crepúsculo: Amanhecer Parte 1

por Gabriel Papaléo

10 - Harry Potter e as Relíquias da Morte Parte 2

9 - O Casamento do meu Ex

8 - 11/11/11

7 - Atividade Paranormal 3

6 - Eu sou o Número 4

5 - VIPS

4 - Padre

3 - Nosso Lar

2 - Garota da Capa Vermelha

1 - Dylan Dog e as Criaturas da Noite

por Luiz Schenk

conheça o trabalho do Luiz em www.senpuu.com.br

10 - Se Beber Não Case 2

9 - Os Pinguins do Papai

8 - A Inquilina

7 - Carros 2

6 - Transformers: O Lado Oculto da Lua

5 - Assalto ao Banco Central

4 - Hubble 3D

3 - Cilada.com

2 - A Saga Crepúsculo: Amanhecer Parte 1

1 - Estrada para Ythaca

por Bruno Machado

conheça o trabalho do Bruno em: http://vejasp.abril.com.br/blogs/cinema-filmes/

10 - Justin Bieber: Never Say Never

9 - As Viagens de Gulliver

8 - Besouro Verde

7 - Conan, o Bárbaro

6 - Carros 2

5 - Se Beber, Não Case 2

4 - A Saga Crepúsculo: Amanhecer Parte 1

3 - O Turista

2 - Assalto ao Banco Central

1 - Cilada.com

por Teeh Schwarz

conheça o trabalho da Teeh em: www.cinemaeafins.com

10 - Um Dia

9 - Vossa Alteza

8 - Lanterna Verde

7 - Thor

6 - Conan, o Bárbaro

5 - Assalto ao Banco Central

4 - Qual o seu Número?

3 - A Saga Crepúsculo: Amanhecer Parte 1

2 - Transformers: O Lado Oculto da Lua

1 - Sucker Punch: Mundo Surreal

por Vicky Salles

conheça o trabalho da Vicky em: www.pinkvader.com

2011-12-29T10:42:00.000-08:00

Nos vemos em 2012

Amigos, chegamos ao final de mais um ano e o Fotograma Digital entra em recesso até o dia 05/01, quando estaremos de volta com nossas tradicionais listas de melhores e piores do ano de 2011. Até lá, fucem a vontade no blog, busquem as críticas que ainda não leram, os Top ainda não conferidos e os clássicos ainda não conhecidos.

Aos colaboradores e amigos, meu muito obrigado por mais um ano de trabalho, diversão e filmes.

Agradeço também a todos vocês que passaram a conhecer nosso trabalho desde a minha entrada na TV Gazeta em maio de 2011. Desde então tenho tentado fazer do nosso humilde espaço, um lugar onde o cinema tem o destaque que merece, e espero que estejam gostando.

Que o 2012 de vocês seja ótimo, com grandes realizações e sucesso em tudo aquilo que pretendem fazer.

Até breve,

Um abraço

Alexandre Landucci

2011-12-28T14:11:00.000-08:00

Cópia Fiel

(Copie Conforme, 2010)

Drama - 106 min.

Direção: Abbas Kiarostami

Roteiro: Abbas Kiarostami

Com: Juliette Binoche e William Shimell

Confesso a vocês que o hype em cima de Cópia Fiel me fez esperar o pior. O burburinho em torno do filme, me fez esperar a complexidade chatíssima que vem acompanhada de muitos "queridinhos" da critica. Não consegui assistir ao filme quando esse estreou, e tive de esperar o home video para conseguir acompanhar esse que é o mais impecável estudo sobre relacionamentos humanos lançado no país em 2011.

Às vezes fico profundamente feliz de ter meus prognósticos e expectativas (embora não devamos os ter em relação aos lançamentos cinematográficos) destroçados por um filme que subverte minhas esperanças e até mesmo minha má vontade inicial em assisti-lo. Rendo-me ao talento dessa atriz mais que fabulosa chamada Juliette Binoche, a esse muitíssimo talentoso William Shimell e a esse tremendo diretor e roteirista vindo detrás do muros impenetráveis do Irã, chamado Abbas Kiarostami.

Em Cópia Fiel acompanhamos as personagens de Elle (Binoche), a dona de uma loja de antiguidades que depois de acompanhar a palestra do escritor Jason Miller (Shimell) decide conhecê-lo. Miller por sua vez, está na Itália, divulgando seu livro onde defende que a cópia pode ser tão emocionante e verdadeira quanto um objeto real.

O que Kiarostami faz com enorme maestria é aos poucos e sem nenhuma motivação aparente, transportar o casal e o espectador para uma espécie de realidade fantástica, ou uma dimensão paralela, ou quem sabe a verdadeira realidade daqueles dois personagens, que se vêem durante o filme discutindo e citando fatos e eventos como se fossem casados a (no caso) quinze anos.

Como podemos nos emocionar no cinema, mesmo sabendo que tudo o que vemos nada mais é do que a manipulação da "realidade" pelas mãos hábeis de um diretor, produtor, fotografo, montador, ator, músico e afins? Esse é o conceito que o diretor procura desenvolver. Se o espectador consegue se emocionar com uma historia claramente de mentira, será que se emocionaria e acompanharia intrigado uma historia que em suas "viradas dramáticas" mudasse completamente de tom e de realidade? Seria possível que a cópia de um relacionamento de verdade possa emocionar e intrigar o espectador? E por que isso acontece?

A brincadeira do Jogo de Cena (como Eduardo Coutinho muito bem realizou em seu mockumentary de mesmo título) aqui é elevada a um patamar ainda mais virulento e crítico. Se acompanhamos Elle e Jason discutindo sobre a tendência da sociedade em diminuir tudo que não é original, numa busca sem fim pelo "purismo da originalidade", no mesmo filme vemos as reações emocionais de um casal quando confrontado pela rotina em uma simples visita a um restaurante, em que o fato de os brincos de Elle não serem notados transformam-se em um estopim para uma hecatombe nuclear.

É essa mistura de realidade dos personagens e suas supostas mudanças, essa volátil mistura entre real e imaginário é que fazem de Cópia Fiel, um filme extremamente bem sucedido, mesmo contando com ação diminuta e passando-se apenas durante uma tarde em uma pequena vila italiana.

Mesmo assim, Kiarostami consegue com grande inteligência emular os passos de um relacionamento (o grande objeto de pesquisa do filme) encaixando nosso pseudo-casal em três realidades diferentes que apresentam ao público a visão do diretor sobre o casamento, o amor e a convivência entre os seres humanos.

Acompanhamos um jovem casal recém-casado, cheio de alegrias, sonhos e profunda energia celebrando sua festa de casamento nessa pequena vila. Minutos depois, o diretor nos apresenta um casal de meia idade, que próximos da idade dos personagens principais do filme, são professorais e atenciosos em seus conselhos sobre as dificuldades extremas da convivência que podem ser resolvidas - às vezes - com simples gestos como o caminhar ao lado da companheira/o apoiando-se em seus ombros, numa demonstração clara de que caso seu amor caia, lá estará você pronto para agarrá-lo. Kiarostami também não esquece do silêncio sereno dos casais mais velhos, que atingiram um grau de compreensão quase metafísico, que dispensa as discussões desnecessárias. Tudo é compreendido no olhar e com as atitudes.

Cópia Fiel não é fácil. É um desafio ao espectador comprar a ideia de que pode estar sendo enganado (ou não) o tempo todo, sendo claramente manipulado para que o diretor atinja seu objetivo. Mas ai fica minha pergunta: estamos tão acostumados a sermos quase emocionalmente violentados por uma dezena de comédias e romances pré-fabricados que quando o véu da mentira é tirado de nossos rostos, nos negamos a compreendê-lo?

É possível, ou melhor, muito provável, que o público se negue a ver diante de seus olhos que Cópia Fiel apenas tirou da frente às paredes que impediam o espectador de enxergar o homem que puxava as cordas e que torcia e retorcia cada centímetro de emoção que entregamos em cada sala escura diante do altar da tela luminosa.

2011-12-27T14:30:00.000-08:00

Fúria de Titãs 2

Parece que Jonathan Liebesman não ficou satisfeito em quase provocar suicídio coletivo com Battle LA : Ele já está de volta ás câmeras para dirigir Fúria de Titãs 2, filme que acaba de ganhar seu primeiro trailer . Usando a versão de Marilyn Manson para a belíssima música Sweet Dreams, hit dos anos 80, a prévia começa abusando - de maneira ineficaz -do tom épico . A trama trata da sequêcia do primeiro filme, e nela, Perseu ( Sam Worthington) precisa ajudar seu pai Zeus (Liam Nesson), já que os deuses vivem uma crise - como os humanos perderam sua fé neles, os moradores do Olimpo perdem suas forças - e estão em guerra com os Titãs, que são liderados por Cronos. Sequestrado por Hades(Ralph Fiennes) e Ares - que foram contratados por Cronos - Zeus só pode ser salvo por Perseu e seus companheiros . Realmente, a Warner tenta passar uma vivacidade muito grande com o vídeo, e busca aumentar a expectativa de qualquer jeito . Entretanto, quem já viu o trailer do primeiro filme, ou conhece brevemente Jonathan Liebesman, sabe que esses dois minutos podem muito bem ser mera enrolação, para uma verdadeira desgraça de cerca de duas horas .

2011-12-26T13:59:00.000-08:00

The Dictator

A nova comédia de Sacha Baron Cohen , The Dictator, ganha seu primeiro trailer . A sátira da vez , dirigida por Larry Charles - o mesmo que realizou Borat e Brüno - é sobre os ditadores característicos do Oriente Médio . Na trama, Cohen interpreta dois personagens, um pastor de ovelhas norte-americano e um ditador árabe perdido em Nova York, depois de ser deposto de seu cargo. Com todo o viés cínico e crítico de Cohen em formato de gags muito apropriadas, o trailer demonstra piadas desde 11 de setembro - ''visite o Empire State , antes que você ou um de seus primos decida derrubá-lo'' - até alfinetadas em celebridades em geral - como a referência ás partes íntimas das Kardashians. Em tempos de Primavera Árabe , e de queda de suas respectivas ditaduras , o novo filme de Cohen já parece imperdível .