Chernobyl

Chernobyl

(Chernobyl Diaries, 2012)

Suspense/Terror - 86 min.

Direção: Bradley Parker

Roteiro: Oren Peli, Carey Van Dyke e Shane Van Dyke

Com: Olivia Dudley, Jesse McCartney, Devin Kelley, Nathan Phillips, Jonathan Sadowski e Ingrid Bolso Berdal, Dimitri Diatchenko

Chernobyl é daqueles filmes que faz o espectador questionar a sanidade mental de seus "colegas" seres humanos. Pois só com muita, mas muita compreensão é que dá para entender o que leva um grupo de jovens que depois de passear por lugares incríveis na Europa, decidem se aventurar em uma cidade próxima ao desastre nuclear de Chernobyl.

O que se passa na cabeça desse pessoal? Esse é o tipo de turismo que eu realmente não consigo entender. Mas enfim, Chernobyl coloca meia dúzia de sujeitos em uma excursão rumo ao desastre atômico soviético. Quatro desses turistas se conhecem. Chris (Jesse McCartney) e Natalie (Olivia Dudley) namoram e o rapaz está prestes a pedir a namorada em casamento. Paul (Jonathan Sadowski) é irmão de Chris enquanto Amanda (Devin Kelley) é a amiga de Natalie. Juntam-se aos quatro, o casal Michael (Nathan Phillips) e Zoe (Ingrid Berdal), que estão juntos há um mês, mas estão em lua de mel (vai entender). Todos são guiados por Uri (Dimitri Diatchenko), o ex-militar da vez que serve de guia pela região.

Chernobyl é dirigido por Bradley Parker que estreia no comando de uma produção, tendo vindo do mercado de efeitos visuais. O nome mais conhecido nos créditos do filme é o de Oren Peli, criador da franquia de sucesso Atividade Paranormal, que ao lado dos Van Dyke (Carey e Shane, atores e roteiristas das produções picaretas da produtora Asylum que parodia blockbusters para ganhar uns trocados) assina o roteiro.

Uma brincadeira que Chernobyl faz é a de subverter a expectativa do publico que imagina ver mais um "found fottage", devido principalmente aos créditos anteriores de Peli. O filme começa com uma legitima filmagem amadora do grupo de amigos apresentando sua viagem na Europa. Quando nos acostumamos com aquela estética, o filme nos mostra que tudo aquilo que víamos até então, era um vídeo dentro do filme. Uma pequena colagem dos momentos da viagem até então, que um dos personagens mostra para outro.

Embora o found fottage não seja utilizado, a forma como Chernobyl é fotografado e montado emula a sensação de estarmos acompanhando um exemplar do "gênero". Muita câmera na mão e quase sempre em movimento, ausência de trilha sonora e até mesmo alguns fades quase caseiros fazem da experiência de assistir Chernobyl muito próxima da de acompanhar uma produção que apela para essa ideia.

O conceito da historia é interessante a principio: colocar um bando de americanos em meio ao vazio das cidades atingidas pelo vazamento dos resíduos nucleares, que claro, escondem um segredo. O problema é que - de saída - o diretor Parker e os roteiristas precisam dar uma pequena aula de historia para o público que se imagina sabe o que foi Chernobyl. Mas, como infelizmente o mundo real é tão obscurecido como os céus pós-acidente nuclear, o público - em geral mais novo - não faz mais ideia do que foi Chernobyl.

Depois da aula de historia e da tentativa frustrada de entrarem na cidade pela entrada normal (protegida por guardas armados) o grupo decide continuar sua aventura e entrar de qualquer jeito na cidade, passando por um lago que abriga peixes muito "exóticos" até chegarem ao centro do que abrigava uma cidade dos trabalhadores da usina. Os cenários são muito bons, realmente dando a impressão de estarmos vendo um mundo abandonado. Segundo as informações do filme, as locações foram encontradas na Sérvia e na Hungria e realmente merecem um destaque especial. Tanto os cenários externos, que apesar de não serem originais, funcionam perfeitamente para ilustrar a desolação do ambiente, quanto para os ambientes internos que "exalam" mofo, atulhados de coisas, praticamente sem nenhuma iluminação, um criadouro das tais criaturas estranhas que habitam a cidade.

Claro que nesse tipo de produção, o clima é responsável por noventa por cento da graça do filme, já que o interessante (se é que podemos chamar assim) de produções assim é acompanhar a contagem de corpos subindo com o passar do tempo, já que o desenvolvimento dos personagens sempre fica prejudicado. Aqui não há nada de novo, e os personagens continuam sendo estereótipos: o bondoso, a garota apaixonada, o inquieto, a garota forte mais introspectiva, entre outros.

Quando as coisas dão errado e os personagens precisam sobreviver, a trama se prende aos clichês do gênero e o filme cai bastante. Apesar de contar com alguns bons sustos, e a presença das tais misteriosas figuras (que tem uma origem bastante plausível e cruel) o filme é genérico, embora pelo menos não caia no hall do found fottage, embora use o recurso de maneira breve durante o filme. Porém, embora o efeito visual seja interessante, a "motivação" para o uso da técnica é infeliz e não faz sentido algum para a narrativa.

Apesar de não ser nenhuma tragédia, a ideia interessante e os bons cenários chegam a iludir o espectador, que até imagina encontrar uma historia que se diferencie de tantos outros filmes do gênero. No entanto, Chernobyl apesar de fugir da piada pronta (não é nenhuma calamidade atômica), está longe de estar na lista dos grandes trabalhos do gênero. Pelo menos, Oren Peli mostra que pode escrever algo além do que os fantasmas mal filmados de Atividade Paranormal.

Valente

Valente

(Brave, 2012)

Aventura - 100 min.

Direção: Mark Andrews, Brenda Chapman

Roteiro: Mark Andrews, Brenda Chapman, Steve Purcell e Irene Mecchi

Com as vozes de: Kelly MacDonald, Emma Thompson, Billy Connolly, Julie Walters, Robbie Coltrane, Kevin McKidd, Craig Ferguson

Ufa foi apenas um escorregão. Essa é a sensação que tive ao final de Valente, a mais recente produção dos estúdios Pixar, graças - é claro - aos muitos problemas vistos em Carros 2, sem sombra de dúvida o mais fraco dos filmes do estúdio. Valente, por outro lado, se não é o mais fantástico das animações do estúdio (coloco Wall-E, Toy Story 3 e Ratatouille na frente) é uma bem vinda volta aos eixos. 

A historia é simples, e trata sobre alguns conceitos já bastante esmiuçados pelos filmes de animação: amadurecimento e "ser quem você é". Apesar de a ideia parecer batida e até hipócrita (já que um dos efeitos colaterais mais claros do cinema é sua influência sobre o comportamento humano) a Pixar, como de praxe, consegue transformar conceitos com cara de sermão em entretenimento de qualidade, e aqui com uma dose extra de emoção e um viés feminino muito mais claro do que qualquer outro de seus filmes até então.

Co-roteirizado e co-dirigido por uma mulher de forma inédita no estúdio, fica clara a influência feminina tanto na construção da historia quanto na forma com que a mesma é desenvolvida. Valente é mais sutil e muito mais preocupado com o desenvolvimento de suas personagens femininas, como nenhum outro filme do estúdio havia conseguido. Já a historia é dominada por personagens femininas fortes e inteligentes, enquanto os homens são os alívios cômicos da produção.

Outra boa ideia, foi a de que mesmo em um ambiente medieval e afins, não existe a figura do príncipe encantado que salva a donzela indefesa, o que faz do filme uma produção contemporânea, já que coloca a mulher como centro dos eventos, que consegue desenvolver-se e resolver seus problemas sem a ajuda do "macho da vez".

Valente apresenta a princesa Merida, uma jovem inquieta com brilhantes olhos verdes e o cabelo ruivo mais intenso e cacheado que o cinema (na vida real ou em animação) já retratou. Seu visual exótico é mais uma arma para que a produção identifique aquela personagem como "um peixe fora d'água", uma pequena revolucionária diante de costumes antigos e tradicionais. Quando a historia começa, a pequena garota já demonstra uma vontade grande de viver intensamente, de forma - em teoria - masculinizada, em meio à natureza enquanto empunha um arco e flechas, até enxergar uma misteriosa luz que a faz ser notada por um gigantesco urso que ao tentar atacar a garota, sua mãe e seu pai, acaba sendo enfrentado por esse último, o que o faz perder uma perna. O filme então avança no tempo, e encontramos Merida, num estágio adolescente, em meio às mesmas aventuras envolvendo escaladas e os mais diferentes tipos de "esportes de ação", enquanto precisa lidar com sua mãe, a rainha Elinor, que desgostosa com as desventuras da filha, tenta a todo custo transformá-la em uma princesa tradicional, cheia de regras de conduta. 

O filme versa sobre a relação entra as duas personagens, e os óbvios conflitos entre as personalidades tão dissonantes quanto a da rainha certinha e cheia de regras e a da princesa - um chamado "espírito livre" - que preza por sua liberdade e quer conseguir seus objetivos com seu próprio esforço e de seu jeito. 

A trama ganha corpo quando, decidida a lhe dar um marido, os pais de Merida decidem convidar os demais clãs que formam seu reino - uma espécie de reunião de clãs encravada na Escócia - o que causa uma enorme revolta na garota. Depois que os pretendentes são apresentados e a princesa causa uma confusão, ela se revolta com a mãe e parte para a floresta, onde se envolve com uma misteriosa personagem acaba alterando sua vida para sempre.

No fundo, Valente é sobre a relação conflituosa entre pais e filhos, e o amor, mesmo quando existem falhas de comunicação gritantes entre os dois lados da conversa. A diferença é que, se a Pixar já havia feito isso com Procurando Nemo pelo viés masculino, agora deixa as mulheres tomaram as rédeas da conversa.

Como disse no início do texto, os homens em Valente são personagens coadjuvantes e que estão sempre sendo retratados de forma bufa. O maior exemplo é o rei Fergus, que apesar de ser o supremo senhor daquele canto do mundo, é claramente subserviente a sua esposa, numa alusão sobre aquela velha máxima masculina: "quem tem a última palavra na relação sou eu, e ela sempre é: tá bom, querida". Retratado como um homem brincalhão, divertido, amoroso, mas um pouco apalermado, é uma curiosa visão sobre a seriedade dos cargos de liderança, e principalmente sobre a ideia de satirizar a importância de toda aquela pompa.

Os pretendentes por sua vez são igualmente satirizados: o gordinho que fala em uma língua incompreensiva, o galã de fundo de quintal e o completo apalermado, enquanto os pais desses garotos também tentam manter a pose de homens fortes e valorosos. A Pixar assume o feminismo com classe, e coloca os brigões e bárbaros (em uma era em que Game of Thrones faz tanto sucesso), numa posição de divertimento familiar, deixando suas mulheres brilharem. Ainda no campo masculino, é preciso dizer que a representação dos três irmãos de Merida são sensacionais. Os trigêmeos, ruivos como a irmã, mas com os cabelos que parecem chumaços de algodão são pequenos gênios do mal, sempre prontos a aprontar alguma travessura que os faça comer mais doces. 

Sucinta em sua amarração de eventos, a historia começa a pecar quando acelera demais o processo de redenção dos personagens, tornando a mensagem de aceitar as diferenças e compreender o outro, um pouco mastigada demais, principalmente para os padrões Pixar de entretenimento.

Tecnicamente, o que mais podemos dizer sobre a Pixar? Ao lado dos japoneses dos estúdios Ghibli, ninguém no planeta faz animações com a mesma qualidade visual que esse pessoal. Tudo, dos detalhes do pano usado em uma determinada bandeira (em que conseguimos ver os detalhes da costura do tecido), passando pelas pedras dos corredores dos ambientes do filme, passando pelo desbunde dos muitos rios, cachoeiras, montanhas, bosques e florestas, é de uma competência alarmante. Se muita gente reclamou do visual "cartoon" dos personagens (incluindo ai os animais), os cenários beiram o foto-realismo, o que dá a produção ainda mais destaque.

Valente é uma bem vinda mudança de ares na Pixar, um olhar mais feminino que ainda não tínhamos visto no estúdio e que espero rever no futuro. Não vejo como Valente poderia gerar uma sequência, embora alguns personagens (como a hilária bruxa) merecessem maior atenção no futuro e conta com um dos finais mais doces entre todos os trabalhos que o estúdio já apresentou.

Na Estrada

Na Estrada

(On the Road, 2012)

Drama - 137 min.

Direção: Walter Salles

Roteiro: Jose Rivera

Com: Garrett Hedlund, Sam Riley, Kristen Stewart, Kirsten Dunst, Tom Sturridge, Viggo Mortensen, Amy Adams

Começo a crítica com uma confissão: nunca li Na Estrada, livro de Jack Kerouac, que dá titulo ao mais recente filme de Walter Salles. Antes de assistir a produção cinematográfica, apesar de saber da importância histórica do livro e de tudo o que dele se diz e da influencia dele no mundo (e não só na literatura), jamais havia tomado conhecimento das historias de Sal Paradise e Dean Moriarty (pseudônimos do próprio autor Jack Kerouac e seu amigo Neil Cassady) e se o filme for fiel àquilo que está impresso nas páginas, continuarei não tendo o livro na minha lista de literatura a ser lida antes de morrer.

Na Estrada (o filme, antes que os fãs do livro me joguem pedras) é pretensioso, pedante em muitos momentos, de um exagero que beira o ridículo e apresenta personagens caminhando por um vazio que parece não ter fim. Como sabem não vivi nos anos cinquenta (bem longe disso), mas conheço diversos trabalhos que são filhotes do que Kerouac parece ter influenciado, segundo declarações dos próprios. Minha impressão sempre foi a de que por meio das experiências psicotrópicas, sexuais, espiritualistas e afins, esse pessoal encontrou seu lugar no mundo em meio aos muitos conflitos típicos da adolescência.

Essa não é percepção que tenho depois de assistir ao filme, que mais parece contar a historia de garotos e garotas perdidos, absurdamente pretensiosos sobre sua importância no planeta (como em geral os adolescente são), mas que no fundo, não tem nada a oferecer. São como o leito de um rio seco, onde ao longe se enxerga pequenas e rasas poças incapazes de matar a sede de ninguém.

Walter Salles parece profundamente reverente e hipnotizado pela historia que conta, o que é ótimo, já que demonstra um profundo amor ao projeto, mas é incapaz de dar alguma sustentação as mais de duas horas (que demoram muito mais do que isso a passar) de idas e vindas, aventuras sexuais e psicológicas vazias, que levam os personagens a lugar nenhum.

Mesmo que a ideia seja a de apresentar a formação da psique de um autor, que precisa de experiências para ser formada, ninguém ali parece verdadeiramente interessado nisso. O plano de experimentar é subvertido para questões mais próximas do adolescente típico: sexo, drogas e no caso, jazz.

Esse exagero de reverenciar cada experiência vazia dos personagens é referenciado na personagem do poeta Carlo Marx (o alter-ego do genial Allen Ginsberg, que ganhou um filme muito mais eficiente em 2011 chamado "Howl", infelizmente inédito por aqui), que reúne todos os clichês do intelectual pedante e arrogante que todos amamos odiar. Fatalista, Sorumbático, melancólico, irritadiço, reprimido e medroso, alguém que nos força a torcer para que se cale e de preferência perca a voz.

Já Dean Moriarty (ou melhor, Cassady) é a quintessência da irresponsabilidade, passando o filme inteiro em busca de alguma coisa, que nem mesmo ele sabe. Emulando um magnetismo praticamente irresistível, o personagem é a mola propulsora de tudo durante o filme, tornando-se aquele "anjinho" que funciona como consciência (na maioria dos casos falta de) dos personagens, em especial Sal.

Ele por sua vez é o narrador (do filme e livro) e, portanto tem a visão mais ampla da coisa, aquele que em teoria deveria ter a consciência do exagero de tudo aquilo, ao mesmo tempo em que é envolvido em todas as experiências necessárias para a criação de seu livro, que nunca sai do campo das ideias. Um garoto entediado e que não quer ser mais um número, em busca de sua identidade e de experiências novas.

Além da dupla principal, a personagem mais importante é Marylou. Curiosamente - ou não - essa é mais uma personagem de Stewart que em determinado momento se vê encantando dois homens. Continuo não conseguindo entender o que Kristen tem de tão mágico assim, para, invariavelmente estar sempre em produções em que é disputada como um pote de ouro no fim do arco-íris por todos os homens a sua volta. Diferente do elenco masculino, Stewart apesar de apresentar algumas nuances novas, continua presa as seus tiques - que parecem eternos e sem solução - e dificuldade extrema em ser expressiva.

O elenco ainda tem algumas participações especiais, em geral com personagens fracos ou insignificantes, como a desnecessária aparição de Steve Buscemi, que só funciona pela quebra de expectativa. Viggo Mortensen (que na vida seria o poeta William S. Burroughs, outro nome importantíssimo na literatura americana) e Amy Adams como a versão de futuro para aquela galera pré-hipponga e viciada em benzina estão divertidos pelo excesso, mas são personagens rasos, enquanto Kirsten Dunst tão elogiada em Melancolia, aqui é a personagem âncora do filme, a única que parece tentar fugir daquela existência pretensamente vazia e que não leva ninguém a lugar nenhum. Sua relação com o personagem de Garret Hedlund (Moriarty) é passional, mas Camille é uma mulher aborrecida, que não parece oferecer nada além de cobranças, o que torna fácil entender as motivações de Dean em sair sempre de casa.

Mesmo com um elenco irregular, Na Estrada poderia funcionar, já que sua estrutura excessivamente entrecortada entre muitos momentos históricos diferentes facilita a ideia de um roadie movie, porém a estrada do filme de Salles parece um lugar absolutamente vazio onde pouco, ou nada acontece, tornando-o uma enorme e vagarosa caminhada.

Mais o pior em Na Estrada, é a impressão de que ele não exemplifica a vitalidade que seus personagens querem demonstrar. Salles filma as desventuras de seus heróis como um tio zeloso, com pudores e receios de mostrar diretamente as perversões de sua trupe. Esteticamente, o filme também parece travado e nada condizente com uma historia que prega exatamente a quebra de paradigmas, parecendo muito mais ligado a Diários de Motocicleta. Bonito de se ver, o filme é soberbo ao retratar as muitas paisagens que cortam as muitas estradas americanas, porém, se em Diários de Motocicleta víamos garotos tornando-se homens diante de nossos olhos, aqui vemos garotos que vagam sem rumo, aproveitando a vida, mas que parecem não crescer nunca.

Em um exercício quase medroso, Salles não mostra justamente os momentos de maturidade dos personagens, preferindo manter a câmera focada apenas nas muitas aventuras hedonistas dos personagens. O crescimento e amadurecimento, tão importante para a formação dos personagens pouco é visto, e quando o filme apresenta os resultados das andanças do grupo, o faz de forma apressada, como se não achasse necessário mostrar as conseqüências de mais de duas horas de pedantismo intelectual.

Como disse na abertura do texto, nunca li Na Estrada, e talvez ele não tenha o mesmo impacto libertário comigo, pois "já passei da idade" de me revoltar com o sistema e partir rumo ao desconhecido em busca de experiências transformadoras. Também porque acho que essa questão é muito datada, muito próxima a uma realidade verdadeiramente castrativa, quando poucos - muitos poucos - tinham voz. Em uma era onde os muitos nichos, segmentos, e clãs conseguem se reunir dos mais variados jeitos e que o "ser diferente" é visto apenas como mais uma opção de cada um, a mensagem de dar uma banana a sociedade e cair na estrada parece perder força. O que nunca vai perder força, no entanto é o desejo do ser humano em encontrar seu lugar na gigantesca aldeia global e amadurecer - espera-se - no processo. Uma pena que Walter Salles não tenha conseguido apresentar essa sensação ao público. Os adolescentes de Na Estrada parecem vadios em busca da próxima dose e da próxima companhia para encher a cama, e estão longe de parecerem interessados em encontrar coisa alguma.

O Espetacular Homem-Aranha

O Espetacular Homem-Aranha

(The Amazing Spider-Man, 2012)

Ação/Aventura - 136 min.

Direção: Marc Webb

Roteiro: James Vanderbilt, Alvin Sargent e Steve Kloves

com: Andrew Garfield, Emma Stone, Martin Sheen, Sally Field, Rhys Ifans, Dennis Leary

(obs.: a crítica contém alguns spoilers. Se puder, evite lê-la antes de assistir ao mais recente filme do "Cabeça de Teia").

O Espetacular Homem-Aranha cumpre seu objetivo mais raso: diverte. Em geral, o espectador quando vai ao cinema para assistir uma produção cheia de heróis busca uma bela sessão escapista, duas horas de diversão descompromissada, ideal para esquecer os problemas e afins. E para esse efeito, o reboot do Aranha funciona bem. Mantém um bom ritmo até quase seu final (quando parece inspirar-se em Senhor dos Anéis e apresentar finais para todos os personagens do filme), e diverte sem muito medo o espectador.

Porém, o filme não passa muito disso. Se o espectador é leitor de Aranha (não é o meu caso) e talvez espere a quintessência do personagem embalada em um filme de ação/aventura exemplar, é possível que se decepcione, principalmente, pois - tornando-me repetitivo - apesar de entreter, é um Frankenstein sem personalidade no que tange sua abordagem a trama e aos personagens do filme.

Explico: a historia começa com o pequeno Peter Parker sendo entregue aos seus tios Ben (Martin Sheen) e May (Sally Field), por seus pais (Richard Parker vivido por Campbell Scott e Mary Parker vivida por Embeth Davidtz). A abordagem é realista, muito próxima da ideia de Sam Raimi em seu primeiro Aranha, ampliada aqui pela trama de mistério sobre o paradeiro dos pais de Peter. O clima é mais sério, como indicavam os muitos trailers do filme. Damos então um salto no tempo, e ainda nesse clima "real", somos apresentados à nova representação de Peter Parker.

Andrew Garfield é uma versão muito mais contemporânea dos estereótipos nerds do que o insosso Tobey Maguire o era no filme de 2002. Para mim, alguns elementos ajudam essa transformação, sendo o principal deles a mão de Marc Webb, diretor desse Aranha. Vindo do sucesso do drama romântico 500 Dias com Ela, o diretor tem uma visão muito mais fresca sobre os adolescentes e jovens adultos de hoje, do que tinha Sam Raimi, um bom diretor, mas de uma geração mais velha. Talvez por isso seu Peter seja sempre tão "abobalhado", enquanto o Peter de Webb é muito mais cool (embora o próprio Garfield em entrevista refute essa ideia de cool e fale em adequação ao mundo moderno). Ajuda ainda o fato de Garfield ter uma idade mais próxima ao personagem dos quadrinhos do que Maguire, e de ser um fã do material (o que está marcado a fogo na tela), com uma interpretação bastante competente de Peter Parker, com todos os trejeitos típicos de um adolescente, tornando-o nunca um herói na concepção da palavra, mas um adolescente típico, cheio de medos e dúvidas e até um pouco irritante em alguns momentos.

Na escola, ele é apaixonado pela bela Gwen Stacy (Emma Stone), que diferente da Mary Jane de Kirsten Dunst, não vive em um lar abusivo e nem sonha em ser atriz, ou muito diferente da Gwen Stacy - colocada de qualquer jeito - do terceiro filme do Aranha, que parecia uma patricinha mimada e sem graça. Emma Stone usa na personagem alguns de seus trejeitos que caracterizaram sua carreira, como o bom humor constante, observações irônicas e uma leve "maluquice" que faz de Stacy, uma garota divertida e encantadora.

O filme ainda tem a presença excelente e muito realista de Martin Sheen como o tio Ben definitivo, que não abusa dos clichês para ensinar responsabilidade ao sobrinho, e mesmo repetindo o destino mostrado no primeiro filme baseado no personagem, o faz de maneira muito mais inteligente e próxima da realidade. Sally Field, como Tia May, faz com que nos esqueçamos da sempre simpática velhinha vivida por Rosemary Harris, na trilogia original. Mais ativa - por questões óbvias de idade - e mais emocional, é outra que convence de saída, em especial sobre seu relacionamento com Martin Sheen.

Porém, o filme começa a perder a mão do tal realismo, quando vemos o nosso vilão, o doutor Curt Connors (Rhys Ifans). Para quem conhece alguma coisa da mitologia do personagem sabe que o a presença do doutor Connors no filme significa a presença do Lagarto como vilão. O cientista que sofre de traumas por não ter um braço (fato que é enfatizado sempre que possível inclusive visualmente com uma pequena sequência em que Connors é encaixado diante do reflexo de um manequim com os dois braços) deseja criar uma espécie de soro que misture o DNA humano com animal a fim de conseguir a regeneração dos genes afetados pela deficiência. Essa pesquisa tem a ver com os pais de Parker, e movido pela curiosidade, o nosso herói decide conhecer o doutor, para por tabela conhecer melhor seus pais e a motivação para o abandono pregresso.

Os problemas começam ai, já que parece que tudo é preguiçosamente ligado ao personagem principal, para facilitar uma resolução mais simples. É um erro? Não, quando não parece forçado. O primeiro erro é o de colocar Gwen Stacy como estudante brilhante e ajudante de laboratório de Connors, sendo que em momento algum existe alguma indicação que Stacy sequer gosta de ciência. Entendo que a ideia era "chocar" o espectador, mas a forma como isso é conduzido não funciona na totalidade.

Uma diferença interessante reside na criação do Homem-Aranha. Uma vez que Parker é bem desenvolvido, o filme cria seu Aranha da mesma maneira. Sai o fotógrafo bobalhão que é picado por uma Aranha num museu, e entra o curioso jovem que se mete aonde não devia e acaba picado por uma aranha mutante. Sai o garoto que cria uma fantasia para lutar e ganhar uma grana, e entra o garoto obcecado em encontrar o assassino do tio que cria uma roupa misturando o conceito da luta livre com o uniforme atlético.

Mas, a mudança mais bem vinda é que finalmente o cinema consegue mostrar com competência toda a movimentação e a força de um sujeito picado por uma Aranha. O "sentido Aranha" que avisa o personagem do perigo é muito mais orgânico, assim como a movimentação é muito mais fluída e a força física mais "brutal". A ideia de acabar com as teias orgânicas foi ótima, já que também relaciona a criação dos dispositivos à trama das aranhas mutantes e o uso das modificações genéticas realizadas pelos cientistas.

Outra mudança foi que o personagem mascarado finalmente tem aquele bom humor ácido que marca o personagem nos quadrinhos. Um gozador por natureza, o Aranha de Marc Webb é engraçado e muito falante, sem muito pudor em humilhar o vilão antes de acertá-lo com um soco ou enrolá-lo em sua teia.

Até esse ponto, o filme caminha muito bem. Apesar do exagero de Gwen trabalhar justamente com o vilão do filme, o filme balanceava muito bem a ação e a trama de mistério que movia o filme. O problema começa justamente quando Connors assume seu "alter-ego" e todos os elementos parecem ser suprimidos e facilmente relacionados a Peter, incluindo ai a própria criação do vilão.  É como se tudo precisasse estar ligado fio por fio ao personagem principal, transformando-o no sol que gira ao redor dos planetas/personagens que compõem a narrativa. Mais exemplos: Peter salva um determinado personagem e o pai desse vai ser peça fundamental na trama, na cena que apesar de visualmente ser muito impactante, presta o exagero de mostrar uma bandeirola americana sem sentido algum, em mais uma homenagem tediosa a "coragem do povo de Nova York". Outro exemplo? Peter em determinado momento caça seu vilão e simplesmente leva sua câmera com um gigantesco adesivo de identificação colado na mesma, o que entrega sua identidade ao vilão. Essa questão da identidade secreta é outro problema, já que Parker parece ansioso para dividir seu segredo com o mundo, já que ao final do filme, uma porção de personagens acaba sabendo de seu segredo. 

A construção visual do Lagarto é outro erro, claramente artificial o personagem carece de carisma, de ameaça e pouco lembra um lagarto real, surgindo como um híbrido estranho de humano com dinossauro, o que até poderia fazer sentido, mas a construção visual nesse caso realmente não funciona. 

A partir daí, o filme ganha em ação e perde muito no clima divertido que vinha construindo até ali. As coincidências ultrapassam o limite para esse tipo de produção e são camufladas por ótimas sequências de ação, o que não deixam de empolgar, mas que revelam uma historia que no fundo não responde a nada que se propôs a responder. No fundo, aquela questão que todo mundo se fez quando do anúncio desse reboot infelizmente persiste: por que recontar a origem de um personagem que já foi contada há tão pouco tempo? O Espetacular Homem-Aranha está longe da espetacularidade desejada, e embora tenha a melhor representação do herói nas telas, merecia uma historia menos preguiçosa. Quem sabe na - óbvia - sequência.

Muito se questionou sobre a necessidade de um reboot para uma franquia tão jovem quanto a de Homem-Aranha. O sucesso arrebatador (e um tanto inesperado) do primeiro filme acabou gerando frutos: não só ajudou a consolidar o gênero nas telas como conseguiu render duas sequências que arrecadaram pouco mais de 1,5 bilhão de dólares juntas. A produção do último capítulo da trilogia foi conturbada, porém. O apressado cronograma (a estreia do terceiro filme fora definida ANTES do lançamento de Homem-Aranha 2), misturado a uma pressão constante dos produtores, acabou por limitar o controle criativo do diretor Sam Raimi, vitimando assim, a qualidade do fraquíssimo terceiro segmento. Sendo assim, entende-se a necessidade mercadológica em prosseguir a franquia com um reboot: não havia muitos caminhos a serem trilhados após o insosso final. Com a saída de Raimi, o superprodutor Avi Arad anunciou o reinício, roteirizado por James Vanderbilt (roteirista requisitado e prolífico, indo de Zodíaco a Violação de Conduta).

Após uma produção folgada, sem pressa, o filme ganha uma massiva campanha de divulgação. Mas seria essa a tal "historia nunca contada" do Aranha? Do ponto de vista cinematográfico, seria O Espetacular Homem-Aranha (curiosamente, um título mais operístico que o do primeiro filme) uma válida experiência?

O desenvolvimento de Peter Parker, apesar de aparentar mais extenso, é um tanto semelhante ao de Homem-Aranha 1. Temos a presença do bullying; a vingança contra Flash Thompson; o amor platônico pela garota da sala; a situação com os tios. É no tom que há a diferença. Muitos acusam o filme de Marc Webb como “desnecessário”, mas mesmo falho, essa nova abordagem não soa idêntica ao filme de Raimi. É como se fossem as mesmas situações, mas com um olhar diferente.

Desde os breves créditos iniciais, já se percebem as intenções da estrutura do longa. A estilizada abertura, cheia de teias e ligações, sugere uma historia toda conectada entre si. O que, por sua vez, parece uma mania dos roteiristas atuais, que seguem essa tendência que os produtores parecem gostar tanto. Entende-se aí a contratação de Vanderbilt: veterano em roteiros policiais "intelectuais", cheios de suas viradas em estrutura (Violação de Conduta, o "ultimate" filme de reviravoltas, é um roteiro original de Vanderbilt), o roteirista abraça a tentação de interligar tudo no passado e presente de Peter Parker.

Oposto em tom e mais focado nesse tipo de narrativa falsamente intrincada, o novo Aranha conta com uma atmosfera muita mais sisuda que a da primeira trilogia. E mesmo mais sério e sóbrio, o filme de Webb é muito menos dramático que o de Raimi. Há pelo menos três situações dramáticas bem semelhantes aos filmes anteriores e, em todas elas, o peso não é sentido como no filme de 2002.

Mas antes do fundo dramático, há a problemática estrutura. Tentando interligar todas as pontas da narrativa possíveis, o roteiro de Vanderbilt, Alvin Sargent e Steve Kloves encontra nas coincidências o seu fio da trama. Quando estoura o cano da casa, Peter encontra a maleta do pai. Maleta essa que tem um símbolo estranho, junto com fórmulas. Símbolo este que Peter encontra ao esbarrar no advogado de Norman Osborn, que estava (que coincidência!) levando esses documentos naquela exata hora. Hora esta em que ele visita um viveiro de aranhas radioativas. Esta fórmula dos símbolos que, estudada por Peter, é solucionada para que Curt Connors possa realizar sua teoria. A já citada “teia de acontecimentos” incomoda, apesar de ser admitida e adorada pelos roteiristas. Quando Peter fala com o Capitão Stacy sobre o Lagarto, o policial explicita: “então quer me dizer que Connors, brilhante mentor de minha filha, é esse monstro?”. Fora que, por Deus, se você fosse um super-herói mascarado, você colocaria seu nome na câmera na hora de ir atrás do vilão? A mudança de foco no drama é o que salva o script mal-construído.

O que nos leva á tal crise de identidade do adolescente. Peter encara a máscara em certa cena, como se fosse uma maldição. Essa direção, de um menino aprisionado por não saber quem é, é levada a exaustão. “Sei qual é seu nome, mas quero saber se você sabe”, diz Gwen. Peter é amargurado por isso e, mesmo que desenvolvido sem muito capricho, o conceito é interessante.

O desenvolvimento dos personagens, mesmo falho, acaba se tornando a maior força de O Espetacular Homem-Aranha. E o elenco envolvido, todo muito bem dirigido por Webb, só ressalta isso. Andrew Garfield está perfeito no papel, Emma Stone é novamente adorável, e a química dos dois atores nas cenas de romance transpira na tela. Martin Sheen exala segurança como Tio Ben, o tornando inclusive o mais humano dos personagens. E mesmo ecoando a esquizofrenia de Willem Dafoe no primeiro filme, Rhys Ifans se demonstra um bom vilão e suas cenas como Curt Connors são bem fundamentadas e discutidas pelos personagens envolvidos. E isso reforça a qualidade de atuação de Ifans, já que o Lagarto de CGI raramente convence, soando inclusive tolo nas suas tentativas de diálogo (e se salvando, pra variar, na pancadaria).

Um Aranha mais brincalhão, que se diverte ao balançar em “teias” de ferro e extravasa suas piadas na roupa vermelha e azul, acaba soando um tanto novidateiro. Ao acordar, a demonstração de raiva pelo sono através dos poderes rende uma engraçada cena, além da fome gigantesca de Peter ao chegar de sua primeira jornada com os poderes (o que me fez testemunhar um herói quase drogado, o que não deixa de entreter). A teia de vibrações, construída por ele, também empolga (e nos lembra da inteligência de Peter). E pra qualquer fã, ver um Aranha magrelo, soltando suas teias pelo lançador no céu de Nova York, nunca deixa de empolgar. Mas o interessante é que faltou justamente uma essência ao herói. Há apenas uma cena, a do filho do bombeiro (que, COINCIDÊNCIA!, salva nosso herói mais tarde), que nos faz lembrar do que é feito o Amigão da Vizinhança – o que é muito pouco. Sem ser contagiado pela ciência de suas responsabilidades, o Peter Parker de 2012 perde força e não sente as dores do que é renunciar sua vida pelo herói. A cena responsável por isso, com Gwen, idêntica a do filme original, não carrega a mesma angústia que tinha com Mary Jane no Aranha de Raimi.

A diferença no tom do novo filme, que torna o reboot um tanto válido, se deve muito a dois fatores em especial: a busca pelo realismo (provavelmente após o sucesso do Batman de Nolan) e o diferente desenvolvimento de Peter Parker. Ainda que, como já dito, diversas passagens sejam bem parecidas, o foco no drama do protagonista é outro: a busca pela identidade. E nesse ponto, a verossimilhança merece crédito. Mesmo que aqui e ali soe genérico (mas não menos eficiente) como o uso dos celulares no clímax, esse realismo é realçado pela atuação muito boa de Garfield - e funciona. Desde ás solitárias passagens pelo colégio do início até a presença constante da câmera no quarto de Peter, o filme ecoa a geração de A Rede Social. A condição social do jovem cientista é sentida por toda a primeira hora de projeção, mesmo quando Peter encontra o doutor Connors (rendendo excelentes interações). Porém, algumas cenas acabam perdendo sua força devido á preguiça do script.

Cenas essas que, pelo seu reducionismo, acabam soando alheias no meio da introdução. Peter acaba sendo abordado como um loser típico, sem muitas diferenças em relação ao arquétipo. Quando vai buscar seu material no armário, há um casal se beijando e impedindo a passagem; ao ver o nerd sendo humilhado pelo valentão, Peter toma partido e acaba apanhando – e ganhando a atenção da mocinha. Fora isso, o núcleo dos tios Parker é bem menos competente que no filme de 2002 na tarefa de evocar as responsabilidades de Peter com sua família. Além disso, Ben e May perdem as características básicas na trama estrutural (demonstrar a relação de valores para o protagonista se tornar um herói) e terminam como meros tutores do jovem. Justamente por isso, (OH! MAJOR SPOILER!) a morte de Ben é muito menos sentida que no longa original.

Mas talvez, a maior falha de Kloves, Vanderbilt e Sargent seja em quem é o tal Homem-Aranha. Em certo ponto, um personagem diz para Parker: “Essa Cidade precisa de você”. Vendo a projeção (e como Peter se tornou o heroi), nunca sentindo a mudança que o Aranha traz e sem saber de sua tarefa quase compulsória como vigilante de Nova York, fica a dúvida: precisa mesmo?

E se o roteiro trabalha com temas interessantes mas carece de um cuidado maior, a estética visual se apresenta completamente oposta ao filme de Raimi – e igualmente excelente. O Techno-coro criado por James Horner, numa trilha á antiga, funciona mesmo sem criar um tema específico pro herói. A direção de arte do recém-falecido J. Michael Riva investe em um ar mais científico e cria ambientes assépticos, contemporâneos e belíssimos, como o laboratório da Oscorp e o magnífico prédio, todo baseado em vidro. Ainda com uma fotografia estupenda de John Schwartzmann, abundante em tons sóbrios e sombria na medida certa (e munido da resolução monstruosa da excelente câmera Red One), o filme possui na direção segura de Marc Webb um ponto chamativo.

Mesmo que ainda falte certa sensibilidade em reconhecer uma solução estúpida e ignorá-la (lagartos em todo o lugar, a analogia peixe/lagarto na hora do jantar, a marcha dos lagartos na teia), Webb demonstra bom olho estético. Mais arrojado que o diretor de aluguel comum que os estúdios contratam, Webb cria soluções visuais interessantes para a ação do filme e demonstra a segurança de seu debut, 500 Dias com Ela, na hora de dirigir seus atores. Tanto a sequência na escola quanto o enérgico clímax (a cena de Emma se escondendo do Lagarto é excelente) são favorecidos pelos ângulos elegantes e montagem limpa que Webb prefere. Com destaque, ainda, para as boas transições de cena que Webb e seu editor Alan Edward Bell criam, como o link do prédio sendo clicado e tomando a tela inteira logo depois. Além disso, inspirado nas melhores fases de Todd McFarlane nas HQs do herói, o diretor cria quadros memoráveis com as estilosíssimas poses do Aranha (o que rende o último frame do longa, que busca encerrar esse primeiro filme com a maior solenidade possível). E para fechar: o novo sentido de aranha é muito, muito legal. Será uma boa aposta a volta de Webb para o segundo(há ecos do Duende Verde em pelo menos dois lugares), e inevitável, filme.

Se a tarefa foi apresentar um Homem-Aranha mais crível para o novo público, até que O Espetacular Homem-Aranha funciona: definitivamente, o Peter de Andrew Garfield e o de Tobey Maguire são diferentes. Essa abordagem jovem, mais realista e menos operística e de homenagem, funciona para o tempo atual e ainda diferencia bastante os dois trabalhos. Ainda que não seja um espetacular e perfeito filme do que é um super-herói de verdade, o novo Aranha ao menos é seguro. Mas é mais que um script mais completo e menos preguiçoso o que melhorará essa futura franquia, assim como é mais que uma busca de identidade pela alma de Peter Parker.

Falha, então, aonde o original mais triunfava. A melhoria será a compreensão dos envolvidos de qual é o peso real de ser o Homem-Aranha.

A Era do Gelo 4

A Era do Gelo 4

(Ice Age: Continental Drift, 2012)

Comédia/Ação - 94 min.

Direção: Steve Martino, Mike Thurmeier

Roteiro: Michael Berg, Jason Fuchs

Com as vozes de: Ray Romano, Denis Leary, John Leguizamo, Peter Dinklage, Nick Frost, Queen Latifah, Jennifer Lopez, Nicki Minaj, Simon Pegg, Sean William Scott, Wanda Sykes

Ufanismo é um sentimento irritante. A exaltação sem sentido de alguém - pelo simples fato de ter nascido aqui -  é um caso de estudo antropológico. Seriamos uma sociedade tão mal amada que qualquer um que faça alguma espécie de sucesso internacional é digno de ser canonizado e alçado a condição de gênio? Esse é o caso de Carlos Saldanha, diretor de Era do Gelo 2 e 3 e de Rio, e que há mais de duas décadas vive nos Estados Unidos criando animação - o que faz com competência, diga-se - afinal sua criação mais importante, o esquilo Scrat, sempre roubou a cena em todos os momentos em que surgiu na tela.

Porém, Saldanha não é gênio, nem realizou nenhum trabalho digno de elogios exaltados. As sequências de Era do Gelo são infinitamente inferiores ao produto original, enquanto Rio é um exercício fabulesco com contornos realistas que simplesmente não funciona.

E onde entra Era do Gelo 4, que Saldanha não dirige, nesse contexto? No Brasil, devido ao envolvimento do brasileiro com o filme, a serie da Blue Sky sempre foi elevada a um patamar midiático próximo aos lançamentos Disney, sendo ansiado como um trabalho especial e tudo mais. O marketing trabalhar com essa ideia é perfeitamente compreensível, a imprensa noticiar a presença tupiniquim nas produções é normal, mas o público não conseguir perceber que apenas o primeiro filme (curiosamente o que Saldanha é creditado como co-diretor) é interessante, é sim um caso assustador.

Não é de hoje - mas vem se tornando cada vez mais comum - que o público de cinema está cada vez menos interessado em fugir do óbvio. Para que ir atrás de algo além do que a meia dúzia de salas de cinema me mostra? É confortável comer minha pipoca, esquecer meus problemas e me divertir. É errado? Claro que não, cinema pipoca é ótimo quando bem realizado, mas uma dieta cinematográfica apenas de cinema pipoca não é positiva. E por quê? Simples. Como as grandes produções procuram atingir o maior número de pessoas possível, nada que seja minimamente polêmico, questionador ou simplesmente diferente chega às telas de cinema. O cinema, assim como todas as outras formas de arte, tem um poder não só de entretenimento, mas também de transformação e questionamento muito grande. No entanto, como a maioria das produções que chegam aos cinemas - especialmente por aqui, um país aculturado e que enxerga o cinema como acompanhamento para um balde de pipoca - são cada vez mais pasteurizadas e comuns, essa intenção da arte é deixada de lado. E quando falo em arte, não aponto filmes "cabeça" moldados sobre discussões filosóficas e afins - que assim como os blockbusters, correm o risco de irritar exatamente pelo pedantismo - mas historias com personagens reais, relacionamentos que possam existir, ações que o público consiga crer e que mesmo diante de mundos fantásticos possam parecer honestas e verdadeiras, e não baseadas em uma bula de remédio.

Era do Gelo 4 é exatamente isso. Uma bula de remédio. Depois de um primeiro filme interessante, que abordava a relação humana com a natureza e tinha personagens cativantes e engraçados e até momentos de real emoção, a franquia foi cada vez mais se rendendo a um humor que - para mim - é destinado às crianças pequenas. Por que não consigo crer que um ser com idade mental adulta consiga realmente rir de piadas sobre gases, nádegas e afins por muito tempo. Como o público parece engolir sem reclamar, as sequencias seguem-se à exaustão.

Além disso, nessa quarta sequência ainda estão embutidos discursos edificantes - aqui muito artificiais - sobre "não esquecer os amigos", "respeitar a família" e o maior de todos os clichês americanos "ser quem você é", o que é engraçado já que uma das maiores "realizações" do cinema americano é a de influenciar gerações a serem exatamente iguais aos seus artistas favoritos, mas enfim, invariavelmente esse discurso hipócrita (vindo de quem assina) é destinado ao público que parece não perceber a dicotomia do falatório.

Estão de volta o trio de personagens principais, Manny (o mamute), Diego (o tigre) e Sid (a preguiça), que vivem tranquilos quando - e o filme dá uma explicação humorística até interessante para a origem do fato - a terra começa a se dividir entre os continentes, e, portanto os animais precisam migrar. No entanto o trio acaba afastado de sua matilha (que inclui a mulher de Manny, Ellie e sua filha agora adolescente Amora) e precisa encontrar um jeito de voltar ao convívio de seus pares.

A relação de Manny e sua filha é clichê. É a velha historia antropomorfizada da adolescente em disputa com o pai, sempre questionando a opinião paterna, para no fim ambos cederem e tudo ficar bem. Como em todo filme da franquia (pra não dizer em toda animação americana) somos apresentados a novo personagens, que em geral só tem função genérica. 

A trama dessa quarta sequência coloca nossos protagonistas em contato com a tripulação de um navio pirata (na verdade um iceberg usado como navio) comandada por uma espécie de primata (com direito a dente de ouro e corte do pelo em formato de chapéu pirata) e que tem na tripulação alguns estereótipos que funcionam muito melhor com as crianças bem pequenas. A morsa idiotizada que vive de piadas de banheiro e observações óbvias que até funcionam a princípio, mas que como o personagem se resume a isso, acaba cansando com o tempo. O coelho que tomou muito café e precisa de uma terapia é outro personagem, porém esse é mais interessante. Grita feito um maluco, e é mais hiperativo que o esquilo de Sem Floresta (lembram desse?) e tem bons momentos principalmente quando tenta ser mais importante do que de fato é. A outra personagem importante é a tigresa Shira, que é a femme fatale na historia e funciona como interesse amoroso de Diego. Do lado dos "mocinhos", ainda somos apresentados a avó de Sid, uma velha preguiça que todos consideram maluca, pois fala com uma amiga imaginária e que rouba as poucas cenas de destaque do filme, tornando-se o único acréscimo válido da produção.

Tecnicamente, Era do Gelo 4 continua avançando em termos de qualidade visual. Diferente da animação "tradicional", a animação computadorizada parece envelhecer muito mais rápido e pior. Comparem a qualidade da criação dos animais no primeiro filme (de dez anos atrás), com essa quarta parte e sintam o abismo técnico que separa as duas produções. Em especial na criação dos cenários - que pareciam claramente virtuais no primeiro filme e que aqui estão muito próximos do real - e da pelugem dos animais, que se movimenta com o vento e tem textura própria.

Infelizmente, o apuro visual é muito pouco para salvar essa quarta parte da franquia. Recheado de piadas "bobinhas", personagens novos sem carisma (e que até cantam) e um esquilo neurótico que continua sem sucesso correndo atrás (ainda) da noz perdida.