O Exótico Hotel Marigold

O Exótico Hotel Marigold

(The Best Exotic Marigold Hotel, 2011)

Comédia/Drama - 124 min.

Direção: John Madden

Roteiro: Ol Parker

Com: Judi Dench, Tom Wilkinson, Maggie Smith, Bill Nighy, Dev Patel, Penelope Wilton, Ronald Pickup e Celia Imre

O público da chamada terceira idade tem muito pouca chance de se ver retratado no cinema de forma mais ativa. Em geral, o cinema costuma retratar os mais velhos como coadjuvantes engraçados ou como cidadãos em final de vida, ou mesmo como conselheiros. Assuntos como amor, sexualidade e sonhos quase nunca têm vez na produção cinematográfica contemporânea.

Por isso, por mais que seja cheio de mensagens que beiram a fábula, O Exótico Hotel Marigold é um dos filmes mais gostosos de assistir que vi nesse princípio de 2012. Apostando em uma história ora tocante, ora singela, ora simplesmente direta e engraçada, o filme consegue ilustrar uma serie de sentimentos inerentes a qualquer um de nós, independente de idade.

A historia fala de um grupo de idosos que infelizes, traumatizados ou simplesmente entediados decidem atender ao chamado visto na internet - sim, olha só, idosos que usam computador - de um hotel encravado na Índia que oferece aquela dose de aventura que muita gente sente falta na vida.

Evelyn (Judi Dench) é uma recém viúva que luta para descobrir como fazer sua vida funcionar depois que seu marido falece e a deixa completamente perdida e sem dinheiro. Graham (Tom Wilkinson) acaba de se aposentar como juiz da suprema corte inglesa e parece partir para a inevitável jornada rumo ao esquecimento. Douglas (Bill Nighy) e Jean (Penelope Wilton) são um casal juntos há muitos anos que estão vendendo sua casa e muito possivelmente a caminho de um asilo. Muriel (Maggie Smith) é uma senhora com um grave problema no quadril que precisa desesperadamente de uma cirurgia. Norman (Ronald Pickup) é um solteirão que vive - sem sucesso - tentando encontrar uma mulher e Madge (Celia Imrie) faz o mesmo, só que a procura de homens solteiros e ricos.

Essas muitas histórias se interligam quando todos partem com destino ao Hotel Marigold, um decadente e quase arruinado lugar administrado pelo sonhador - e nada prático - Sonny (Dev Patel) que vende um lugar que não existe e que causa o primeiro choque cultural para os recém chegados britânicos.

Choque cultural é outro assunto abordado no filme, que mesmo que esbarre no colonialismo para colocar os personagens ingleses como "salvadores" em alguns plots da historia, é respeitoso com os indianos e sua cultura, mesmo quando coloca alguns de seus personagens - a de Maggie Smith em especial - como ferrenhos críticos daquela gente.

A direção é do mediano John Madden - o mesmo do insuportável Shakespeare Apaixonado - e que aqui faz seu melhor filme. Longe de ser uma obra prima, mas é simpático, emocionante, divertido e direto. Hotel Marigold é uma boa historia sobre envelhecer com dignidade sem tentar catequizar ninguém.

Porém, as muitas linhas narrativas se atrapalham em certo momento do filme. A eliminação de um ou dois personagens do filme faria bem a fluência do material. Os personagens de Norman e Madge apesar de serem razoavelmente engraçados são os mais desnecessários e a supressão deles faria bem aos demais personagens. A historia do personagem de Dev Patel (esforçado, mas mesmo assim, a pior coisa do filme) é outra que poderia ser eliminada. Apesar de apresentar ao publico as tradições de um pais, mais uma historia clichê de "amor proibido" não ajuda em nada o filme, apenas o arrasta por mais do que o necessário, já que o importante são as historias daqueles hospedes no hotel.

Muita gente também pode torcer o nariz para a ideia de fábula que o filme parece propor. O personagem de Patel vive usando a frase: "Na Índia, temos um ditado: tudo vai dar certo no final. Então, se não estiver tudo certo, é porque ainda não é o final". Uma ótima frase de efeito, digna do melhor da auto-ajuda diriam os mais cínicos (eu me incluo nesse grupo), mas que no contexto do filme é simpático.

Apesar da falta de pretensão do filme (que não quer mais do que apenas nos divertir e passar sua mensagem) o elenco é dos melhores reunidos. A excelente Judi Dench - que funciona como a protagonista do filme - está muito segura como Evelyn, que passa por transformações maravilhosamente retratadas pela atriz. Se surge aborrecida ou lutando contra suas memórias ou o amor, a brilhante atriz faz um trabalho glorioso. Bill Nighy é outro que se destaca, principalmente quando foge das caretas que muita gente não consegue desassociar ao ator. Douglas é outro personagem que cresce demais durante o filme, principalmente em relação a seu relacionamento com Jean, a ótima Penelope Wilton. Já Maggie Smith é o alivio cômico (que funciona) do filme. Dona de um timing para a comédia invejável, ela faz da sua personagem uma mulher cínica, amarga, mas profundamente divertida. E Tom Wilkinson tem o arco mais dramático e surpreendente, delicadamente retratado pelo ator. Infelizmente, é uma pena que a produção opte pela saída mais covarde possível para seu personagem. Uma pena, já que sua história - ao lado da de Evelyn - é a mais interessante do filme.

O Exótico Hotel Marigold é um "feel good movie" dos melhores. Sincero sobre sua ideia de dignidade até o fim da vida, sobre aprender e - por que não - mudar sempre e sobre aproveitar cada segundo nesse planeta para encontrar e manter a felicidade.

Piratas Pirados!

Piratas Pirados!

(The Pirates! Band of Misfits, 2012)

Aventura/Comédia - 88 min.

Direção: Peter Lord, Jeff Newitt

Roteiro: Gideon Defoe

Com as vozes de: Hugh Grant, Salma Hayek, Jeremy Piven, Martin Freeman, Imelda Staunton, David Tennant, Brendan Gleeson

Conhecidos pela comédia que beira o absurdo, misturado ao típico humor inglês, a Aardman realizou algumas das animações mais interessantes dos últimos vinte anos. Sempre apresentando uma qualidade técnica praticamente irretocável, as animações em stop-motion da produtora, são exemplo de como aliar comédia e ação para os mais velhos sem se esquecer dos menores.

Apesar de um leve deslize com Por Água Abaixo, que contava a historia de um rato playboy que se envolvia com um rato de esgoto, o estúdio inglês produziu filmes de qualidade, como Wallace & Gromit: A Batalha dos Vegetais, que transformava a serie de curtas de alta qualidade da produtora em um longa metragem muito interessante. Ano passado a mesma produtora apresentou o igualmente gracioso Operação Presente, que infelizmente foi pouco visto por aqui.

Pois bem, é muito triste constatar que em dois anos seguidos, tanto Pixar quanto Aardman lançaram seus piores trabalhos em suas trajetórias. Se Carros 2 pela Pixar foi o choque de que até eles podiam errar, Piratas Pirados é a comprovação de que uma premissa interessante e engraçada às vezes não funciona nem para crianças e nem para os adultos.

Partindo da ideia de um pirata obcecado pela ideia de ser o "Pirata do Ano" na prestigiada organização dos piratas, o filme ainda tenta colocar no mesmo balaio a Rainha Vitória e... Charles Darwin. Apesar de parecer absurdo (e é, e até ofensivo em termos históricos) a ideia não é ruim, já que a forma de encaixar as duas personalidades históricas em meio aos piratas é engenhosa e non-sense, tal qual a ideia de piratas que divertem em uma "Noite do Presunto", ou seja, dentro da lógica do filme é compreensível.

O problema é que a inclusão desses personagens aponta diretamente para o espectador adulto (em teoria) que se imagina que tenha conhecimento sobre os personagens apresentados. Os pequenos vão certamente ter mais dificuldade para entender quem são aquelas figuras e muito provavelmente se referirão aos mesmos como "A Rainha Gorducha Nervosa" e o "Nerd Bobo e Chorão", pois são assim que os dois personagens são apresentados ao público, ou seja, nada de sutileza ou verdade histórica tem vez na animação.

A trama que surge curiosa e instigante - já que a chegada do famoso naturalista é um dos poucos momentos de alegria do filme - se torna previsível e o pior, nada engraçada. Uma ou outra piada interessante fazem os mais velhos rirem (como a dificuldade de todos notarem que um dos piratas esconde um segredo, digamos, sobre sua origem ou os muitos disfarces dos piratas), enquanto a historia erra feio ao ignorar a fauna curiosíssima dos piratas - que são identificados por características físicas ou de comportamento - e apostar no clichê mais do que batido de aprender com os erros e redenção, algo que a Aardman até então sempre soube apresentar de forma original e engraçada (uma característica de todos os seus curtas e filmes).

Além dos coadjuvantes principais serem muito rasos (Darwin é um bobo apaixonado e a rainha uma megera e os demais piratas mal aproveitados), o próprio personagem principal - o Capitão Pirata - não tem carisma algum. Auxiliado por um filme que tem problemas de ritmo e que não sabe se agrada às crianças ou aos mais velhos, é uma pequena bomba e que infelizmente vai estar sempre ao lado de produções muito mais virtuosas sempre que se falar sobre os estúdios Aardman.

Conspiração Americana

Conspiração Americana
(The Conspirator, 2010)
Drama - 122 min.

Direção: Robert Redford
Roteiro: James D. Solomon

Com: James McAvoy, Robin Wright, Kevin Kline, Tom Wilkinson, Evan Rachel Wood, Justin Long, Danny Huston

Robert Redford é um dos mais politizados personagens do cinema americano. Se em sua carreira a frente das câmeras não foi sempre que o ator envolveu-se em filmes políticos, fora dela - sempre que pode - o também diretor e idealizador do mais importante festival de cinema (fora da Europa) do mundo, gosta de apresentar suas posições políticas, embora não seja da turma de Sean Penn, que acha que tudo no mundo é difícil e cinzento.

Em Conspiração Americana, Redford aponta seu gatilho para o assassinato do presidente norte americano Abraham Lincoln, fazendo do julgamento de Mary Suratt (Robin Wright) o estopim para falar sobre o idealista fundador do jornal Washington Post, Frederick Aitken (interpretado por James McAvoy) que na época acabara de voltar da Guerra Civil americana e foi designado como advogado de Mary.

Mary - mãe de John Suratt, e que também foi julgado posteriormente pelo mesmo crime - foi acusada de conspiração junto a outros homens para assassinar o presidente americano e Aitken mesmo indignado assume o caso como manda o ofício que escolheu, afinal segundo a lei, todos merecem o direito a defesa, por mais culpados que pareçam ou mais grave seja o delito impingido ao acusado. O filme, e isso é o mais interessante, não tenta provar ao espectador que Mary é inocente, pelo contrário. A produção de Redford serve fartamente o espectador com indícios de que - se Mary não era diretamente cúmplice do atentado - certamente deveria saber em que seu filho estava metido.

O que Conspiração Americana quer apresentar é a noção de que mesmo diante de um ato horrível, a justiça não deve ser dobrada para que a verdade sobressaia. Em suma, o filme levanta a bandeira de que os fins não podem justificar os meios. Não é importante provar os fatos apresentados, mas dizer que não podemos nos rebaixar ao revanchismo ou a vingança, já que o precedente pode - mais tarde - nos custar caro.

Se hoje, impedimos um advogado de ter detalhes sobre o caso de um perigoso terrorista, por exemplo, quem garante que quando alguém incomodar o sistema (por assim dizer) o mesmo não possa acontecer? Claro, que essa interpretação pode ser exagerada e dramática, mas o cerne da questão é importante. A liberdade e a justiça devem sempre ser protegidas mesmo diante dos piores momentos de uma sociedade.

Por isso, que talvez o filme peque tanto em alguns elementos tradicionais do chamado "filme de tribunal", como o fato do advogado facilmente encontrar respostas para sustentar a defesa que faz de Mary, como uma declaração de um médico que diz que sua cliente tem problemas de visão e que por isso talvez não pudesse ter reconhecido determinado suspeito, ou que o personagem não se hospedava no hotel da personagem com seu nome verdadeiro, ou papéis que incriminariam uma outra testemunha entre outros.

Esse aparente descaso é apenas para mostrar que mesmo com as muitas dificuldades impingidas pelo governo (na figura de Edwin Stanton, secretário de Guerra, vivido com vigor e seriedade por Kevin Kline) Aitken é suficientemente capaz de ao menos colocar em dúvidas as verdades absolutas ditas pelo governo contra a acusada. Mas, isso enfraquece o fator de entretenimento da obra, tornando-a mais filosófica e analítica do que cinematográfica.

O elenco de apoio é formado por diversas estrelas e talentosos atores, como Tom Wilkinson que vive o senador que abraça a causa de Mary a primeira vista, e que entrega a Aitken quando percebe que sua figura jamais poderia ser respeitada no tribunal, além do já citado Kevin Kline, que faz o mais próximo de um vilão que o filme tem (além é claro dos assassinos de Lincoln) e do sempre competente Danny Huston como o promotor do caso.

Mas são nos ombros de Robin Wright e de James McAvoy que o filme se concentra. Mary é fria e resignada, apoiada em sua fé, como uma mulher dedicada completamente a seus filhos e capaz de tudo para mantê-los a salvo, mesmo que para isso arrisque sua própria vida. McAvoy faz de Aitken um idealista , mesmo quando não pretende defender Mary. Seus ideais de verdade e justiça são mais fortes do que seus pré-conceitos quanto a sua cliente. Ambos estão bem, apesar de não se destacarem particularmente, principalmente porque o componente humano serve a causa, e não o contrário.

A mensagem é mais importante do que a própria historia e isso sacrifica alguns aspectos dos personagens, como a relação de Mary e a guerra civil (no que ela acreditava, o que sentiu ao seu final) ou de Aitken e sua namorada/noiva/esposa, que simplesmente é ignorada após o segundo ato.

Redford curiosamente interpretou um personagem (dos mais importantes de sua carreira) muito ligado a historia do jornal fundado por Aitken. Em Todos os Homens do Presidente, ele viveu Bob Woodward, um dos jornalistas que denunciaram o Watergate e que culminou na renuncia do então presidente americano Richard Nixon, e em Conspiração Americana parece ainda defender os mesmos valores que seu personagem defendia em meados dos anos 70: a vitória mesmo que justa só pode acontecer se seguirmos os padrões morais e a justiça, por mais injusta que ela pareça. Pena que esse discurso fique lindo no papel, mas na tela seja enfadonho.

Anjos da Lei

Anjos da Lei

(21 Jump Street, 2012)

Comédia/Ação - 109 min.

Direção: Phil Lord e Chris Miller

Roteiro: Michael Bacall

Com: Jonah Hill, Channing Tatum, Ice Cube

Hollywood parece estar numa crise criativa. Adaptações literárias sempre estiveram em pauta (grandes clássicos, como Lawrence da Arábia e ...E O Vento Levou, originaram-se de livros celebrados), já que as mesmas seriam o caminho mais seguro para que o novato Cinema nos anos 20/30 pudesse se estabelecer. Com o crescimento dos investimentos no mercado cinematográfico, o número de filmes de retorno financeiro seguro só crescia. A criação do conceito "blockbuster", com a estreia de Tubarão em 1975, foi a salvação monetária dos estúdios (e o principal catalisador de entretenimento para as massas). Logo, o que já tem uma base pré-estabelecida com seu público-alvo tem mais chances de dar certo. Com esse pensamento exclusivamente marqueteiro, o conceito da Arte superior ao Entretenimento se instalou no imaginário coletivo das cabeças ocupantes de cadeiras nas multiplexes. 

E surgiram, assim, filmes que se baseiam em bonecos (Transformers, GI Joe), baseados em videogames de péssima qualidade (King of Fighters, Tekken) e até mesmo adaptações de... jogo de tabuleiro (o vindouro fracasso Battleship). A crise que assola a Meca do Cinema acaba tornando raro o produto original; para cada Source Code, temos três Cowboys & Aliens (o diretor Jon Favreau, inclusive, é um dos que manifestou sobre a tal crise criativa).

Porém, aliando uma temática adolescente fora de controle com uma afiada sátira aos filmes do gênero, chega Anjos da Lei. Baseando-se na série de TV oitentista, Jonah Hill e o roteirista Michael Bachall capturam os moldes da série e os subvertem para criar um surpreendente misto de Superbad, Jackass e Bad Boys. Desde seu principio, a adaptação tem na aceitação de sua natureza rasa, o seu maior acerto. As situações parodiadas no início do filme, que celebra a formação na polícia dos protagonistas sedentos por adrenalina, acabam ganhando contornos mais interessantes á medida que a projeção avança.

E o que isso tem a ver com a crise criativa? Tudo. Anjos da Lei é o que melhor a aproveita para criar uma obra de qualidade ao personalizar o seu material
genérico - e com toda a convicção. Porque como disse o comissário (em uma das excelentes passagens do esperto roteiro): "eles reciclam essas coisas dos anos 80 a todo o momento e acham que não vamos perceber”.

Logo que Jenko e Schmidt chegam no colégio, começam a notar os novos grupos ali presentes. Tudo mudou desde os tempos em que um tinha cabelo grande e, o outro, era loiro. E ali, a diferença de gerações é sentida por ambos: Jenko vê os antigos losers serem populares e Schmidt finalmente vê sua chance de se firmar num ambiente escolar. Mas como esses hipsters ("Eu não sei o que porra é isso", exclama Jenko ao se deparar primeiramente com eles), regados à natureza, atitude blasé e arrogância, chegaram a esse ponto? "Só pode ter sido Glee. Fuck you, Glee", diz o personagem de Tatum, dono das melhores frases do filme e em atuação inspiradíssima.

Destruindo e irritando todas as aglomerações imaturas dos adolescentes, Anjos da Lei tem incríveis sequências que, rompendo o limite do absurdo, surpreendem por um humor que concilia o melhor do "físico" com o mordaz sarcasmo das melhores sátiras. O efeito das drogas, desde sua primeira aparição no vídeo do estudante morto, rende passagens absurdamente hilárias. Quando Jenko e Schmidt experimentam a droga, as cenas que se sucedem são além da mera descrição. Tatum merecia algum prêmio só por se jogar em cima de um bumbo.

O universo surtado do filme opera nesse nível de humor. A festa, à Projeto X, vai além do limite do bom senso; as drogas são glamourizadas em certo ponto, para desenvolver a trama, sem temer a reação de um possível público conservador; aqui, um ménage a trois é bem mais estranho do que parece ("Pra quê a de trás serve?!"); Jesus Coreano e, mais que tudo, não basta bater em um negro ou em um gay: tem que bater em um negro gay.

E se analisar todos é a função, nada melhor do que crescer em cima do genérico. O tenente vivido por um á vontade Ice Cube é o maior exemplo dessa máxima. "Abracem os estereótipos", ele diz. O que era apenas uma ótima piada se revela mais: é se rendendo ao espetáculo das aparências que os nossos protagonistas irão se encontrar. Bacall seqüestra a sátira para, novamente, amadurecer seus protagonistas. Indo, assim, além dela.

Como demonstravam os dois trabalhos anteriores de Bacall (Scott Pilgrim e Projeto X), o roteirista tem uma facilidade maior em abordar temas adolescentes. Mais: tem aptidão ímpar quando encaixa seus personagens em uma trama de amadurecimento; o famoso "coming-of-age". E com Anjos da Lei, não é diferente. Após uma jornada efêmera e pouco expressiva na guarda policial, os oficiais Schmidt e Jenko tem que voltar ao colégio para ganhar a experiência que tanto almejam. Em síntese, é a mesma transformação de Scott em adulto e dos garotos sem noção de Projeto X, mas em um campo mais explícito (o colégio, o maior jogo de aparências e transformações possível) e vestido de sátira surtada ao buddy-cop (com seus agentes rivais e muito mais competentes, o delegado aborrecido e os escritórios chatos).

O que torna a adaptação interessante não é, então, apenas o senso de humor bem apurado de Hill e o surpreendente timing cômico perfeito de Tatum, mas o ótimo desenvolvimento de personagens. Bacall conta a historia com uma falta de noção (necessária para o projeto funcionar) hilária, mas não se esquece de amadurecer os heróis.

E mesmo ao dar lugar a sátira, no clímax diretamente vindo de qualquer filme policial, o filme mantém sua personalidade. Ali, os diretores Phil Lord e Chris Miller merecem nota por construírem uma gag visual, envolvendo explosões em seqüência, que faz rir sem esforço (e ainda escrachando os filmes do gênero). E espere até ver uma das mais divertidas participações especiais do cinema recente.

É excelente quando se usa algo reciclado para construir um entretenimento original e eficaz como Anjos da Lei.

Sete Dias com Marilyn

Sete Dias com Marilyn

(My Week with Marilyn, 2011)

Drama/Romance - 99 min.

Direção: Simon Curtis

Roteiro: Adrian Hodges

Com: Michelle Williams, Eddie Redmayne, Kenneth Branagh, Julia Ormond, Judi Dench

Marilyn Monroe é a mulher mais linda que já foi fotografada na história do cinema. Que me perdoem Elizabeth Taylor, Kate Winslet, Ava Gardner, Grace Kelly, Greta Garbo, Rachel Welch, Angelina Jolie, Megan Fox, Rachel Weisz entre tantas outras na historia.

Sete Dias com Marilyn é uma ode a beleza e a inexplicável capacidade da atriz americana em enfeitiçar todos a seu redor, conseguindo resplandecer a cada take de cada um de seus filmes, mesmo não sendo - na fria análise - uma grande atriz. Não é uma biografia da atriz, embora possa ter sido compreendida pelo público como tal.

O filme gira em torno de Colin (Eddie Redmayne) um jovem garoto rico que, segundo ele mesmo, não é especial diante de sua família de super dotados e criaturas especiais. Ele é um sonhador e se refugia dentro das salas de cinema, procurando ali um alento para uma vida tediosa e comum. Decide então "juntar-se ao circo", tentando a todo custo uma vaga na companhia do lendário Laurence Olivier, interpretado aqui por Kenneth Branagh.

Uma vez que consegue a vaga, começa a trabalhar justamente quando o mitológico Olivier acaba de fechar um contrato para dirigir e estrelar O Príncipe Encantado, uma comédia bobinha que funcionaria como veiculo para Laurence se firmar como estrela de cinema contracenando com a mulher mais desejada - e rentável - do cinema mundial, Marilyn Monroe.

Sete Dias é um filme leve, apesar de esbarrar nas questões mais complexas que envolvem Marilyn, como sua carência sem fim, sua dificuldade para aceitar-se como estrela e sua profunda dependência dos outros. Michelle Williams se esforça ao máximo para convencer de que é uma espécie de avatar da musa maior do cinema, recriando com sucesso algumas características mais conhecidas da atriz, como os sorrisos enviesados, as piscadelas sensuais e a voz ingênua que eram fundamentais para a criação do ícone de Marilyn.

Porém, Michelle não é fisicamente parecida com a biografada, que exalava sexualidade e talvez esse seja um pequeno problema do filme. Ao observamos Michelle não conseguimos perceber essa questão da sexualidade latente, talvez pela ideia do filme ser desmistificar essa impressão. No entanto, Michelle por ser uma atriz de grande capacidade faz de sua Marylin uma mulher sedutora e magnética, embora - que fique claro de uma vez - não seja uma representação 100% realista da personagem, mas a visão do ícone por um microscópio, no caso, a visão de Colin - que é o narrador da historia.

Os coadjuvantes estão todos muito bem e roubam à cena. Kenneth Branagh é excelente, treinado na "escola shakespeariana" e possivelmente conhecedor de Laurence Olivier, também não tenta mimetizar o personagem, mas retratar um homem profundamente talentoso e competente que se vê encantado pela beleza e charme de Marylin. Já Julia Ormond vive a esposa de Olivier, Vivan Leigh, a lendária atriz de E O Vento Levou que aqui surge como uma mulher que percebe o flerte de seu marido e se mantém "classuda" (como uma boa inglesa) embora esteja sempre preocupada com sua imagem e principalmente com o envelhecimento.

E Dame Judi Dench, mesmo com pouco tempo de tela é outra figura notória no filme. Fazendo de Sybil Thorndike, uma mulher educada e profundamente inteligente que sabe guiar Marilyn mesmo quando essa parece profundamente perdida e apavorada. Em uma cena - que exemplifica facilmente essa qualidade de sua personagem - ao notar que a bela loira não conseguia acertar suas falas, pede gentilmente a garota americana que ensaie com ela, pois, sendo uma senhora idosa, não tinha mais tanta facilidade para decorar seus diálogos. É claro que a ideia dela era na verdade ajudar Marylin, mas para evitar mais uma complicação para a garota, sai com a explicação de que ela na verdade a estaria ajudando.

Já o jovem Colin, que é o protagonista do filme, acerta mais do que erra, embora não convença como tão mais jovem que Marylin. Ele enxerga a atriz como uma musa embora alimente uma paixão - quase - platônica pela loira, o que amplifica a ideia da Marylin do filme não ser exatamente a “verdadeira”, mas a visão de um homem embasbacado.

O outro detalhe interessante do filme é a discussão a respeito do Método, uma forma de atuar que utiliza da memória emocional dos atores para criar as cenas as quais eram submetidos, ou seja, para interpretar uma determinada personagem, o ator do Método tem de "sentir" aquele personagem, entender completamente suas intenções para - uma vez compreendido - viver aquele personagem.

Olivier - vindo do teatro inglês - não conseguia compreender a necessidade de "entender" personagem, de criar uma história pregressa até aquele exato momento da ação entre outras características de atores do Método. Olivier acredita da simples representação, no "fingimento" sem grande preocupação com a questão emocional.

Marilyn sendo uma ferrenha seguidora do método tinha muitos problemas para entender seu personagem no filme, e o roteiro de Adrian Hodges insere diversas reações furiosa de Olivier quanto à dificuldade da atriz, sempre auxiliada por sua técnica de interpretação, Paula (Zoe Wanamaker).

E, apesar de visualmente bonito e com uma recriação das cenas e cenários do filme dentro do filme ser excelente, o ritmo inconstante da produção dá a impressão de faltarem diversas transições entre os pequenos momentos de clímax do filme. Quando vemos Marilyn - por exemplo - discursar de forma emocional para Colin, o filme não nos deixa digerir aquela situação, nos empurrando mais uma cena, sem a preocupação de ligá-las. No fundo, o filme parece uma grande coleção de pequenos sketches unidos por um fio muito tênue. Soma-se a sensação de muito barulho por nada proporcionada pelo filme, que tem alguns outros coadjuvantes mal construídos (como o empresário de Marilyn - Toby Jones - e um de seus "ex-amigos" - Dominic Cooper, além da figurinista que se apaixona por Colin - Emma Watson) e mal aproveitados, dando a sensação de estarmos vendo uma homenagem honesta a Marilyn, mas incapaz de penetrar mais fundo na personagem, apesar do esforço de Michelle Williams em nos deixar ver por trás da máscara de sensualidade e sedução que sempre caracterizou a atriz.

Sete Dias não é uma biografia da atriz, mas a visão de mais um apaixonado sobre um ícone quase indecifrável e que nos deixou muito antes de - talvez - conseguir ser compreendida.

Os Vingadores

Os Vingadores - The Avengers

(The Avengers, 2012)

Ação/Aventura - 142 min.

Direção: Joss Whedon

Roteiro: Joss Whedon

Com: Robert Downey Jr., Chris Hemsworth, Chris Pine, Mark Ruffalo, Jeremy Renner, Scarlett Johansson, Samuel L. Jackson, Tom Hiddlestone, Clark Gregg

Ano passado a Marvel apresentou dois filmes quase simultaneamente nas telas mundo afora. As origens de Capitão América e Thor foram contadas em gloriosas aventuras ano passado com resultados bastante irregulares. Se o filme do Capitão Bandeira era funcional e conseguiu a grande proeza de não "americanizar" ainda mais o personagem, tornando-o interessante para o público em geral, o filme do Deus do Trovão tentou atingir um público ainda mais amplo e se deu mal, em sua mistura de comédia romântica (ruim) e mitologia de boteco.

Pois bem, esse ano a Marvel aponta seu canhão em apenas uma direção. O júbilo de toda a criação de um "universo" que faz salivar fanboys e garotos crescidos que ainda acham Stan Lee, uma espécie de Deus, chega às telas do mundo inteiro com o portentoso e épico Vingadores.

O filme começa a partir do plot visto nos créditos finais de Thor (sim, se você não viu as cenas pós-créditos de Thor, veja), quando somos apresentados a um cubo de energia, capaz de romper as dimensões. O mesmo cubo que o Caveira Vermelha detinha em Capitão América, o que já cria a primeira ligação da franquia. Quando o filme começa,  vemos Loki reunindo-se com uma raça alienígena e planejando o roubo do artefato, que transformaria o deus nórdico em regente do planeta e daria abertura para que os alienígenas explorassem todo o cosmo (mais quadrinhos impossível). Uma vez que - claro - o artefato é roubado, cabe ao bad ass Nick Fury reunir um grupo de "cidadãos notáveis" para recuperar o objeto e impedir Loki de dominar o mundo. Simples e objetivo.

Reunindo todos os personagens que já haviam sido apresentados em cada um dos filmes individuais, Vingadores têm uma qualidade inquestionável: sabe a quem atingir e é cúmplice de seu público, deixando claro com um bom humor cristalino o que Joss Whedon (o capitão sem patente da nau "marvética") tentou resgatar dos filmes mais bem sucedidos do estúdio. Whedon sabiamente seguiu o caminho da "quase" paródia presente nos filmes de Homem de Ferro, misturando-o com um plot que não poderia ter saído de outro lugar senão dos quadrinhos. Conseguir misturar a "seriedade" com esse deboche é um triunfo, o que faz do filme realmente funcionar quando mostra suas armas. Em suma, Whedon sabe o que está filmando, e entende que para fazer funcionar uma história que versa sobre um grupo de superseres enfrentando uma ameaça desconhecida, não poderia apresentar seu filme como um tratado de filosofia e de análise de comportamento dos homens e mulheres da equipe, mas, como uma deliciosa sessão pipoca.

Outra qualidade do filme, e que parecia praticamente impossível de conceber, é conseguir transformar a produção em mais do que "Homem de Ferro e seus Amigos", como parecia ser diante dos trailers divulgados. Apesar de Tony Stark ser de longe a figura mais bem desenvolvida (graças, é claro, a dois filmes já realizados) não é o milionário que é o foco do filme. Whedon consegue, por exemplo, dar importância aos humanos da trama. Gavião Arqueiro, que aparece de relance em Thor, tem todo um arco importante sobre sua personagem, enquanto a Viúva Negra é mostrada em uma missão solo e tentando convencer o outro personagem "desconhecido" no filme, o Hulk.

Aqui abro um parêntese: o Gigante Esmeralda jamais foi bem mostrado no cinema, que me perdoem as viúvas do filme de Ang Lee, ou da ação dos morros de Louis Leterrier. Em ambos os filmes, o personagem Hulk e principalmente Bruce Banner sofreram na mão de roteiros medianos e histórias que eram sempre conduzidas para uma explosão de fúria do personagem que culmina em uma batalha e etc. Nunca Banner foi tão importante quanto o monstro, e o que os Vingadores fazem é - pela primeira vez - dar tanto espaço ao cientista Banner (e realmente mostrar o quanto ele é inteligente) quanto ao monstro. Visualmente impecável e estupidamente violento (para os padrões da censura do filme, sejamos claros), o monstro de CG finalmente funciona na tela. Seu alter-ego, o insosso Bruce Banner, é muito bem construído por Mark Ruffalo, como um homem cínico que sabe que está atado a uma bomba relógio prestar a explodir.

No entanto, existe um problema grave no Hulk. Durante o filme nos é pregado que o monstro é implacável, incontrolável e impossível de ser contido. Porém, quando o Hulk "vai pro pau", vemos um personagem contido pelo homem, uma fera domada, o que vai de encontro a tudo que o roteiro dizia até então.

Quanto aos humanos, essa é a grande "mágica" de Whedon, acostumado a dirigir equipes em seus projetos. Tanto em Buffy, quanto em sua obra prima e clássico da ficção científica Firefly, o - aqui - diretor conseguia dar espaço e fluência a todos os personagens, fazendo cada um ter seu momento de brilho, e é isso que até mesmo os coadjuvantes Viúva Negra e Gavião Arqueiro conseguem. Sem querer soltar spoilers, é preciso dizer que o Gavião Arqueiro é uma mistura de Legolas com Robin Hood anabolizada, enquanto a Viúva é a uma máquina sexy de matar.

Os demais personagens - para a Marvel - já foram suficientemente explorados em seus respectivos filmes. Capitão América, um soldado acima de tudo, continua em sua "tour-de-force" pelo mundo moderno, dessa vez tendo Chris Evans mais seguro do que faz. E também é bom vermos o que faz do supersoldado uma máquina de guerra tão eficiente. Já o Thor...

Bem, Chris Hemsworth é um ator fraco, porém é um sujeito que tem presença de tela (ou, o que a mulherada diria: "é gato") e para o papel não é um desastre, embora seu surgimento na trama seja completamente absurdo e inexplicável. Outro problema no personagem - sem dúvida o elo mais fraco do filme - é que ele ainda mantém as mesmas dúvidas em relação à Loki mostradas em seu filme solo. Para ele, não bastou o irmão ter exilado-o na Terra, tentando matar-lo, destruir a ponte que o levaria a Terra (o que amplia ainda a sensação de "como ele chegou aqui?"; e que nunca é explicada no filme de forma inteligente) para que ele concluísse que o sujeito não presta. A inesgotável paciência do personagem incomoda e o enfraquece.

Robert Downey Jr. manda no filme. Absolutamente seguro em uma persona que fundamentou sua carreira pós-drogas, é o responsável por dar ritmo ao filme, e consegue se integrar muito bem a narrativa de time, principalmente em suas cenas com Mark Ruffalo e Chris Evans. Dono das melhores piadas do filme é muito bom ver Downey Jr. bem e sem os exageros que o acometeram em Sherlock Holmes.

Já Tom Hiddlestone continua num crescendo como Loki. Se mesmo na bagunça que era Thor, conseguiu delinear o personagem e tentou transformá-lo em uma criatura tridimensional, aqui esquece um pouco dessa questão, para aprofundar-se como um criador de caso, um sujeito capaz de bagunçar a cabeça dos heróis e do espectador.

Joss Whedon não é um diretor de cinema. Falta a ele um maior cuidado com o tamanho da aventura que quer contar. Peca por excessos típicos da televisão, como o excesso de closes, mas tem ao seu lado uma noção muito boa de ritmo e de como lidar com muita gente em tela. Mesmo engessado pela fórmula - claramente produzida com mão de ferro pela Marvel - que o impede de tentar ousar um milímetro sequer, constrói um terceiro ato saído diretamente das paginas dos quadrinhos, com tudo que o leitor - mesmo aquele eventual - sempre imaginou ver quando pensa num grupo de heróis em combate.

Está lá, a formação em equipe para o fã gritar no cinema, um plano seqüência muito bem feito que - mesmo rápido - dá espaço a todos os personagens brilharem e principalmente a sensação de enormidade, de destruição em massa que um filme com essa premissa deveria ter.

Os Vingadores é o melhor blockbuster de 2012 até agora (o que sinceramente não é grande coisa diante da concorrência) e uma tremenda diversão mesmo com seus problemas. Uma ode ao garotinho de 13 anos dentro de cada um de nós.

PS: NÃO SAIA DO CINEMA antes dos créditos finais acabarem. Uma cena muito legal - especialmente para fãs dos quadrinhos - te aguarda.

Diário de um Jornalista Bêbado

Diário de um Jornalista Bêbado

(The Rum Diary, 2011)

Comédia/Drama - 120 min.

Direção: Bruce Robinson

Roteiro: Bruce Robinson

Com: Johnny Depp, Michael Rispoli, Aaron Eckhart, Amber Heard, Richard Jenkins, Giovanni Ribisi

O que é Diário de um Jornalista Bêbado? Uma comédia sobre um sujeito exagerado, recheado de personagens exóticos e excêntricos e ambientada num ambiente tropical? Ou uma tentativa de libelo contra a exploração colonial sobre os cucarachas locais? Ou um trágico amor platônico destinado a dar errado? Ou mesmo a historia de um derrotado, que sabe que apenas em uma utopia poderia vencer a máquina?

Diário de um Jornalista Bêbado é tudo isso. E faz tudo isso de forma - no mínimo - confusa. Acompanhamos Kemp(Johnny Depp) que na primeira cena do filme revela ser alcoólatra e que acaba de se transferir - não se explicam os motivos - para Porto Rico, com a intenção de trabalhar em um jornal local.

O filme é amparado por uma coleção de personagens exóticos e inverossímeis, claramente saídos da cabeça perturbada do mitológico Hunter S. Thompson - um dos pais do chamado jornalismo gonzo - a começar pelo editor do jornal. Lotterman (Richard Jenkins) é um assustado, estressado e irritante homem de meia idade, que divide o tempo entre administrar o jornal falido e desfilar com uma ridícula peruca. O fotógrafo Bob Sala (Michael Rispoli) se torna o Sancho Pança de Kemp, sempre acompanhando o personagem de Depp e funcionando como guia e consciência do personagem.

Completam os personagens principais, o misterioso e descolado Sanderson (Aaron Eckhart) que funciona como "o agente da mudança" no filme, oferecendo ao jornalista um arriscado e antiético trabalho, a bela e ingênua Chenault (Amber Heard) e o bizarro Moberg (Giovanni Ribisi), um maluco completamente alcoolizado com um gosto especial por ouvir os discursos de Hitler.

A tal proposta nunca é claramente explicada no filme, dando a sensação de que - no fundo ela não era tão importante assim. Porém, o que deveria ser explicado é o porquê, Kemp é o convidado. Como não existem respostas, podemos conjeturar: Por que ele era um personagem frágil e impressionável? Por que não tinha "assinatura" em nada que toinha feito até então? Por que Sanderson percebera seu flerte com a personagem de Amber Heard ? Ou simplesmente porque essa era a única forma de manter o interesse do espectador em personagens tão irritantes?

Outro problema é a falta de conceito da personagem de Chesnault. Ela começa o filme entediada com sua vidinha de patricinha, flertando claramente com o personagem de Depp, para em um momento posterior, simplesmente "se jogar na balada", fugir do mundo e voltar como um cordeirinho quando a vida lhe devolve um tapa na cara. A pergunta que fica é: faz sentido? Você desenvolve uma personagem inteiramente como alguém que quer sair daqui ambiente, para - no primeiro momento - a mostrar como mais uma "periguete" pré mini-saia? E para piorar, a mostra posteriormente como uma coitada arrependida? É muito problema de personalidade para a mesma pessoa.

Todos os coadjuvantes têm pouca função, a exceção de Sala. Dotado dos únicos bons momentos do filme, é aquele sujeito engraçado que cria boas gags ao lado de Depp em uma atuação que pouco lembra a do perturbado personagem de Medo e Delírio. Aqui, Depp mistura - para variar - seu pirata Jack Sparrow com a animação Rango - para conceber Kemp, como mais um freak em um mundo cínico e colorido (por mais bizarro que pareça). O cinismo vem do texto e da percepção de que claramente o jornalista e seus amigos sairão derrotados de tudo que tentarem fazer. A cor vem do próprio ambiente, que mistura praias, com aquele ar decadente das ilhas do Caribe que os americanos tanto gostam de mostrar, amparada pela "fauna de gringo", que inclui rinha de galo, macumba e bares étnicos.

E a assinatura de um texto de Thompson, está em uma deslocadíssima cena, em que Sala e Kemp usam um alucinógeno bizarro e experimentam viagens pelo cosmos e afins. Tudo o que caracterizou a vida de Thompson, mas que aqui parece completamente deslocado em uma historia que tenta fincar seus pés no chão.

Diário de um Jornalismo Bêbado não chega aos pés do perturbado Medo e Delírio, aquele sim, um verdadeiro filme com a marca de seu autor intelectual. Aqui, é um gigantesco caldeirão em que tudo foi misturado e o caldo é insosso.

Ps: Os créditos finais são de uma imbecilidade atroz. Além de quebrarem todo o cinismo do filme, tentam vender uma ideia vitoriosa onde não existe.